Wer sich nicht bewegt, spürt seine Fesseln nicht

Rosa Luxemburg

🎨 Jeden Dienstag wird Kunst lebendig. Durch eine sorgfältige Auswahl der Werke lernst du, mit anderen Augen zu sehen. Kunst gehört dem, der sich traut, sie zu fühlen.

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Liebe Kunstfreundin, lieber Kunstfreund,

Heute möchte ich dir von vier Künstlerinnen erzählen, die im 17. Jahrhundert gelebt haben. Damals war es Frauen noch verboten, die neu gegründeten Akademien zu besuchen. Sie durften nicht einmal Bibliotheken betreten, klassische Skulpturen oder Drucke alter Meister betrachten oder an Debatten oder Konferenzen teilnehmen.

Trotzdem gab es eine Reihe von Künstlerinnen, die sich gegen alle Widerstände einen Platz in der Kunstwelt erkämpften. Sie waren keine Randfiguren, sondern erlangten Ehren, übernahmen berufliche Rollen in Zünften und Werkstätten, bildeten andere Künstler aus und malten zu allen möglichen Themen. Trotz der starken Hindernisse, die ihrer Ausbildung und Entwicklung im Weg standen, schafften sie es, sich zu behaupten.

Ihre Werke sind Zeugnisse ihrer Existenz und regen zum Nachdenken darüber an, wie die Kunstgeschichte entstanden ist und wie trotz ihrer Errungenschaften jahrhundertelang versucht wurde, ihr Vermächtnis auszulöschen. Ihre Selbstporträts zeigen, wer sie waren und wie sie sich selbst darstellen wollten.

Giovanna Garzoni: die Keusche

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Giovanna Garzoni. Selbstbildnis als Apollo. 42 × 33 cm. 1620, Quirinalspalast, Rom.

Obwohl Giovanna Garzoni (1600–1670) fast ihr ganzes Leben dem Stillleben gewidmet hat, hat sie uns auch Miniaturen, einige Porträts und dieses beeindruckende Selbstporträt hinterlassen, das sie gemalt hat, bevor sie zwanzig Jahre alt war. Dank ihres Talents hat sie einen ganz eigenen Stil entwickelt, der sehr modern wirkt.

Sie stammte aus einer Handwerkerfamilie, aber es gab keine anderen Maler unter den Garzonis. Sie wurde „die Keusche” genannt, nicht nur, weil sie nie heiratete und ein vorbildliches Leben führte, sondern auch wegen der Zartheit und Klarheit all ihrer Werke. Über sie schrieb man, dass sie einfache Gegenstände in Symbole der Tugend verwandeln konnte. Sie hatte eine sorgfältige Technik, viel Liebe zum Detail und verkaufte ihre Bilder zu hohen Preisen.

In diesem Werk stellt sie sich selbst als Apollo dar, den Gott der Künste, der Vernunft und der Musik. Sie ist mit einem Lorbeerkranz gekrönt und hält ein Musikinstrument in der Hand, das sie sicher spielen konnte. Die einfache Komposition fasst ihren späteren Stil gut zusammen: prägnant und klar.

Mit ihrem Aussehen betont sie, dass sie zur Welt der Künste gehört. Gleichzeitig zeigt sie sich jedoch zurückhaltend und beherrscht, im Gleichgewicht zwischen dem, was von einer Künstlerin erwartet wurde, und ihrem Selbstbewusstsein. Sie war sich dessen sehr bewusst und wusste, wie sie sich ihren verdienten Platz in der Kunst erkämpfen konnte.

Hier kannst du ein Video mit einigen ihrer Stillleben sehen. (Öffnet in neuem Fenster)

Judith Leyster: Das Lächeln

Judith Leyster. Selbstbildnis. 75 × 65 cm. 1630, National Gallery of Art, Washington, D.C.