Wozu brauche ich Füße, wenn ich Flügel habe, um zu fliegen?

Frida Kahlo

🎨 Jeden Dienstag wird Kunst lebendig. Durch eine sorgfältige Auswahl der Werken lernst du, mit anderen Augen zu sehen. Kunst gehört dem, der sich traut, sie zu fühlen.

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Liebe Kunstfreundin, lieber Kunstfreund,

der menschliche Fuß ist ein ursprünglicher Teil des Körperbaus und der Verbindung mit der Umwelt durch Mobilität, aber er wurde in der Kunst im Laufe der Geschichte kaum dargestellt. Wenn sich die Kunst jedoch auf ihn konzentriert hat, dann um ihm Bedeutungen zu geben, die nichts mit seiner Anatomie zu tun haben.

Seit den Anfängen der klassischen Bildhauerei zeigt die Beschäftigung mit dem Fuß die Fähigkeit der Kunst, dem Unscheinbaren Bedeutung zu verleihen. Darstellungen des Fußes wurden manchmal mit der Verbindung zur Erde in Verbindung gebracht, ein anderes Mal mit dem Vergehen der Zeit, mit Metaphern der Verwandlung oder der Schönheit.

Heute lade ich dich zu einer Reise ein, bei der der Fuß in verschiedenen Epochen und von verschiedenen Künstlern als Hauptmotiv verwendet wird. Er wird zum Träger von Erzählungen über Schönheit, Identität, Entfremdung oder Krankheit.

Der Fuß im Mittelpunkt

Der Spinario. Römische Bronze. 1. Jh. v. Chr. Kapitolinische Museen. Rom.

Der unbekannte Künstler, der diese Skulptur schuf, ahnte wohl nicht, dass er ein Werk der Anbetung schuf, das die Jahrhunderte überdauern sollte. Dargestellt ist ein nackter, nach vorne gebeugter Jüngling, der einen Dorn aus seinem linken Fuß zieht.

Der Legende nach wurde das Werk vom römischen Senat in Auftrag gegeben, um den Hirten Martius zu ehren, der als Bote geschickt worden war. Obwohl ihm ein Dorn im Fuß steckte, hielt er nicht an. Erst als er seinen Auftrag erfüllt hatte, konnte er mit viel Geduld den Dorn entfernen.

In der Renaissance begeisterten sich Michelangelo und seine Zeitgenossen für die Skulptur. Das Interesse am Studium klassischer Vorbilder machte sie berühmt, denn sie zeigte eine Alltagsszene, die zur Kunst erhoben wurde. Ab dem 17. Jahrhundert stieg die Popularität und es entstanden zahlreiche Bronze- und Marmorkopien für Sammler, Könige und Päpste. Wegen der besonderen Drehung des Körpers und der meisterhaften Modellierung wurde es auch in den Akademien als Modell verwendet.

Das Besondere an diesem Werk ist seine Fähigkeit, einen emotionalen Moment in der klassischen Bildhauerei einzufangen, ohne dass es einem Helden oder mythologischen Gott gewidmet ist. Es wird vermutet, dass Velázquez auf seiner zweiten Italienreise eine der Kopien erwarb, die sich derzeit im Prado-Museum befinden.

Der Fuß als Identität

Tarsila do Amaral. Abaporú. 85×73 cm. 1928. Museum für Lateinamerikanische Kunst. Buenos Aires.