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Übezeit #37/50

Lesezeit: 3 Minuten

So geht schnelles Spielen

In der aktuellen Podcast-Folge ging es um das Üben von schnellen Passagen. Genauer gesagt: Ich hab mir angeschaut, wie Wissenschaft, Profis und ihr in der Community Stellen auf Tempo übt.

Wenn du die Folge noch nicht gehört hast, findest du sie hier:

Folge anhören

Wenn dir nach dem Hören noch etwas Fantasie gefehlt hat, wie du die Erkenntnisse in dein Üben einbauen kannst, findest du hier ein paar Ideen.

Unser musikalisches Beispiel dieses Mal sind die Goldberg-Variationen von Bach (BWM 1087).

Die Idee aller vorgestellten Methoden ist es, sie direkt im Zieltempo zu üben. Damit das möglichst fehlerfrei gelingt nutzen wir erneut die Prinzipen der Reduktion.

Das Zitat

So übt Tabea Zimmerman schnelle Läufe:

„Für schnelle Läufe empfiehlt es sich, nur eine langsame Variante zu erarbeiten, um sich genau die Töne und ihre Intervallabfolgen zu merken und dann in Gruppen zu üben. Damit die Geschwindigkeit von Anfang an einen fortlaufenden Fluss erzeugen kann.

Also kleine Gruppen mit einem Ziel, dann größere Gruppen mit einem Ziel, dann vielleicht die letzte Gruppe zuerst üben, dann eine davor. Immer auf die Zielnote hinarbeiten und ein möglichst reflexhaftes, schnelles Spiel trainieren. Die Gruppen nur so groß wählen, dass man diese fehlerfrei abspielen kann und dann durch mehr Noten ergänzen.“

(Tabea Zimmermann in der aktuellen Podcast-Folge)

1. Ketten bilden (vorwärts)

Ketten bilden (chaining) ist wahrscheinlich die naheliegendste Methode, um schnelle Passagen direkt im Zieltempo zu üben.

Beginne mit der kleinstmöglichen Gruppengröße und erweitere diese jeweils um eine Note. Starte am Anfang der Phrase.

2. Ketten bilden - aber rückwärts

Natürlich funktioniert das auch rückwärts. Damit ist allerdings nicht gemeint die Reihenfolge der Noten zu drehen (Krebs), sondern mit dem Bilden der Kette am Ende zu beginnen.

Variante A (leichter): Wir beginnen auf Zählzeit 1.

Variante B: Wir spielen die Kette auf der Zählzeit, in der sie auch notiert ist.

3. Von innen nach außen

Manchmal kann es hilfreich sein eine Phrase mittendrin zu starten. Insbesondere dann, wenn genau dort die “Problemstelle” liegt.

Nun kannst du von dort Ketten bilden - sowohl vorwärts als auch rückwärts. Oder wie im Beispiel unten direkt in beide Richtungen.

4. Aufteilen nach Zählzeiten

Je nach Schwierigkeit der Phrase kann man die Gruppengröße variieren. Um dennoch möglichst fehlerfrei zu bleiben, bauen wir zusätzliche Pausen ein.

5. Gruppen mit Zielton

So beschreibt Tabea Zimmermann ihre Übe-Methode.

Der Übersicht halber habe ich diese Variante immer von einem Downbeat notiert. Als Startpunkt eignet sich natürlich jede Zählzeit und auch die Gruppengröße ist in dieser Variante nicht auf vier Noten plus Zielton limitiert.

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#55 Spezial

Lesezeit: 4 Minuten

Schneller spielen lernen

Als ich mit der Recherche zu dieser Folge angefangen hab, bin ich auf YouTube auf ein paar interessante Titel gestoßen:

• „Wie man schneller Gitarre spielt 

  (die einzige Übungsmethode, die funktioniert!)“

• One Simple Practice Hack for Playing Fast

• How to improve your speed SO FAST it feels ILLEGAL

Scheint ganz so, als gäbe es da einen geheimen Trick von dem noch nicht jeder weiß. Das wollte ich mit dieser Folge ändern und habe in der Wie übt eigentlich..? Community nachgefragt, nachgelesen was die Wissenschaft zu diesem Thema sagt und mit Tabea Zimmermann und Simon Höfele über ihre Routine gesprochen.

So übt ihr schnelle Passagen

Anita hat mir geschrieben, dass sie schnelle Läufe:

„Langsam Ton für Ton übt, damit sich keine Fehler einschleichen, dann direkt ziemlich schnell, sodass sie gleich sieht, wo die Problemstellen sind. Dann spielt sie die Stellen rhythmisiert, in verschiedenen Artikulationen und rückwärts; und immer wieder halbes Tempo, doppeltes Tempo."

Eine andere Anita schilderte mir das Konzept ihres Professors, der ein sehr ausführliches Programm nutzt, um sich schnellen Passagen zu nähnern. Es geht los mit dem Singen der Stelle, dem Trennen der linken und rechten Hand auf der Geige und anschließend ebenfalls das Spielen in verschiedenen Rhythmisierungen. Die Läufe werden in Gruppen aufgeteilt und diese spielt sie nach und nach immer schneller.

Aus der Wissenschaft

In der Wissenschaft gibt es gar nicht so viele gute Studien rund um dieses Thema. Das hat mir auch nochmal Prof. Eckart Altenmüller bestätigt, mit dem ich im Vorfeld zu dieser Folge kurz Kontakt hatte. Seine Erklärung: Es ist eben methodisch gar nicht so leicht zu untersuchen.

Schnelle Passagen erfordern eine ganz andere Bewegung als die gleiche Stelle im langsamen Tempo. Das konnte z.B. die Studie von Shinichi Furuya aus dem Jahr 2015 zeigen. Dort wurden 24 Pianist*innen untersucht, wie sie eine 2-Ton Figur mit Daumen und kleinem Finger so schnell wie möglich spielen sollten. 

Gehen vs. Laufen

Kommt dir bekannt vor? Dann kennst du vielleicht dieses sehr interessante Video von Prof. Eckart Altenmüller. Dort erklärt er sehr anschaulich, warum Gehen und Laufen verschiedene Bewegungsprogramme sind - und warum genau dieser Vergleich beim Üben hilft.

In Kurzform lautet das so: Fängt man an, zu gehen und das Tempo allmählich zu steigern wird man früher oder später an einen Punkt stoßen, an dem man unweigerlich beginnt zu Laufen. Um nämlich über ein gewisses Tempo hinaus zu kommen, muss unser Körper eine neue Bewegungsform - also das Laufen - wählen. 

Der Tipp von Eckart Altenmüller lautet daher, bereits früh Stellen im gewünschten Tempo zu üben.

• Warum du nicht schneller spielen kannst

Allerdings räumt er ein, dass das nicht wissenschaftlich belegt ist. Die Übepraxis der letzten Jahrhunderte gilt hier als Beweis (z.B. die Cortot Ausgaben zu Chopins Op. 10 Nr. 1)

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So üben die Profis schnell

Tabea Zimmermann teilt schnelle Läufe in Gruppen ein. Sie nutzt das Konzept Chunking: Vereinfacht könnte man sagen, dass unser Gehirn die Notenfolge nicht als Folge von Einzeltönen speichert, sondern die Gruppe an sich.

In der Literatur spricht man oft auch von open und closed loop. Üben wir im open loop - also eine Gruppe von Tönen ballistisch genau in Zieltempo, können wir keine Korrektur an den Einzeltönen vornehmen. Im closed loop ist das jederzeit möglich.

Simon Höfele variiert sein Üben sehr stark, wenn er Passagen auf Tempo übt. Er nutzt dazu

• intermanualer Transfer = spielen mit der schwächeren Hand (mit links als Rechtshänder)

• Variationen in Artikulation und Rhyhtmus

Beide waren auch bereits zu Gast im Podcast. Hier kannst du dir nochmal die Folge mit Ihnen anhören:

Das Interview

Hier kannst du dir das Interview sowohl auf Apple Podcast, Spotify oder YouTube anhören! Viel Spaß!

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Übezeit #36/50

Lesezeit: 3 Minuten

Das Pareto-Prinzip

Sicher hast du schon einmal davon gehört: Der Ökonomen Vilfredo Pareto beobachtete, dass eine ungleiche Verteilung zwischen Einsatz und Ertrag existiert. Daraus formulierte er die berühmte 80/20 Regel:

Mit 20% des Einsatz, lassen sich 80% des Ertrags erzielen. Die verbleibenden 20 % des Ergebnisses erfordern die restlichen 80 % unserer Arbeit.

Wäre es nicht fast schon paradiesisch, wenn diese Regel auch beim Üben gilt?

Was sind deine 80%?

Am häufigsten begegnete mir die Pareto-Regel bisher im Arbeitskontext. Denn anders als beim Üben, lässt sich dort meist das Ergebnis quantifizieren. Sprich: Wir wissen, was 80% des Ertrags sind.

Im Übe-Alltag ist das deutlich schwieriger. Heißen 80% für dich, dass du die Stelle technisch fehlerfrei spielst, aber noch der musikalische Ausdruck fehlt? Oder sind es 80% des Notentexts?

Du merkst, diese Frage ist gar nicht so leicht zu beantworten. Ich glaube dahinter steckt vor allem der Wunsch, unsere Übezeit effizient (und damit berechenbar) zu gestalten. Input und Output sollen in einem adäquaten Verhätlnis zueinander stehen.

Was sind deine 20%?

Trägt man den Gedanken dennoch einmal weiter, müsste man im zweiten Schritt überlegen, was die 20% Übe-Inhalt sind, die uns zu 80% Ergebnis führen.

Ich finde, hier wird es wieder etwas interessanter für uns. Denn dahinter steht vor allem eine Frage:

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Übezeit #35/50

Lesezeit: 4 Minuten

Einfach zurückgehen

Wie heißt es bei Monopoly so schön: “Gehe zurück auf Los! Ziehe kein Geld.” Ärgerlich, wenn das im Spiel passiert. Beim Üben können wir dieses zurück zum Start gehen allerdings positiv für uns nutzen.

In der aktuellen Folge hat Sibylle Mahni genau diesen Üben-Tipp vorgeschlagen:

„Üben heißt vereinfachen: Zu dem Punkt zurückgehen, den ich schaffe.“

Wie das gelingt, möchte ich dir heute zeigen!

FOlge mit Sibylle hören

Part 1 - Schwierigkeit erkennen

Eine schwere Stelle ist selten länger als ein paar Noten. Nur in ganz wenigen Fällen kommt es vor, dass uns ein gesamter Takt durchgehend schwerfällt. Falls du mir innerlich gerade widersprichst, überprüfe doch beim nächsten Üben einmal, ob es nicht doch eher mehrere Stellen innerhalb dieses vermeintlich schweren Takts sind.

Unser erster Schritt besteht also darin die Schwierigkeit zu erkennen und zu bestimmen. Gerade am Anfang kann das mitunter ein bisschen dauern.

Schwierigkeiten könnten

• ein ungewöhnlicher Fingerstz

• eine komplexe Rhythmik

• eine schwierige Tonfolge

• ein Lagenwechsel

oder Ähnliches sein.

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Im Zentrum die Musik!

EPTA Kongress 2026 in Augsburg

Klavier-Pädagog*innen aufgepasst!

Wie lernen, lehren und üben wir Musik eigentlich und was davon hilft uns wirklich weiter? Unter dem schönen Motto „Im Zentrum: die Musik“ lädt die EPTA vom 30. Oktober bis 1. November zu ihrem Jahreskongress nach Augsburg ein. An drei Tagen findest du dort ein abwechslungsreiches und interessantes Programm rund um Klavierspiel und Klavierpädagogik.

Hinweise zum Programm und zur Anmeldung findest du im Link unten.

EPTA Programm+Anmeldung

Part 2 - Bis wohin klappt es noch?

Ist die Stelle einmal identifiziert, kommt eine meiner liebsten Übe-Methoden zum Einsatz (frag meine Schüler*innen): Das Prinzip der Reduktion.

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#54 Sibylle

Lesezeit: 4 Minuten

Üben heißt für dich

“Üben heißt vereinfachen: Zu dem Punkt zurückgehen, den ich schaffe.”

Huch, aber die Frage kam doch gar nicht am Anfang? Stimmt. In der aktuellen Folge mit Prof. Sibylle Mahni hab ich selbst ein kleines Experiment gewagt und meine Einstiegsfrage ans Ende unseres Gesprächs gestellt. Quasi als Satz, der im besten Fall ihre Methode zusammenfasst. Ich finde, das ist hier wunderbar gelungen.

Sibylle ist Professorin für Horn an der Hochschule für Musik Hans Eisler in Berlin. Sie trat dort 2020 die Nachfolge ihrer eigenen Professorin, der berühmten Marie-Luise Neunecker, an. Ein spannender Rollenwechsel! Davor war sie Solo-Hornistin im Frankfurter Opern-und Museumsorchester und lehrte an den Hochschulen in Mainz, Würzburg und Saarbrücken.

Folge anhören

Mein Lieblingszitat

“Ich bin der Lehrer meines Körpers.“

Wie vereinfache ich mein Üben?

Eine Stelle funktioniert nicht. Also spielen wir sie noch einmal. Und noch einmal. Vielleicht langsamer. Dann wieder schneller. Noch konzentrierter. Dann meistens noch verbissener.

Sibylle hat im Gespräch eine andere Perspektive aufgezeigt: Weg von der (Problem-)Stelle.

Ihre Idee: Finde heraus, was eigentlich das Problem ist und baue dir eine Übung, die genau an dieser Hürde arbeitet. Das Ziel ist es, die Stelle so zu vereinfachen, dass ich einen Weg finde, sie zu spielen. Das wird dein neuer Startpunkt. Besonders gut hat mir gefallen, wie sie diesen Methode nennt: Eine „Therapie“ weg vom Stück.

Wenn beispielsweise eine hohe Passage nicht funktioniert, muss die Lösung nicht darin bestehen, genau diese hohe Passage zwanzigmal zu spielen. Vielleicht kann ich das Spielgefühl zunächst in einer angenehmen Mittellage suchen. Dort, wo es leicht geht. Und dieses Gefühl anschließend Stück für Stück übertragen.

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🧠 Mindset & Motivation: Üben ist nicht gleich Üben

Ein zweiter Gedanke hat bei mir direkt an mein Gespräch mit Molly Gebrian angeknüpft.

Sibylle unterscheidet ebenfalls zwischen verschiedenen Phasen des Übens.

Am Anfang eines neuen Stückes darf – und soll! – experimentiert werden:

• Wie könnte ich diese Phrase spielen?

• Was passiert, wenn ich es völlig anders mache?

• Welche Klangfarbe möchte ich?

• Was fühlt sich nach mir an?

Sibylle sagt dazu etwas, das ich gerne auch über meinen Übe-Platz hänge würde:

„Das Schlimmste, was man machen kann beim Üben, ist ständig nur Fehler zu vermeiden.“

Denn in dieser frühen Phase geht es noch gar nicht darum, eine perfekte Konzertversion abzuliefern. Es geht ums Kennenlernen. Ausprobieren. Auch mal falsch abbiegen.

Erst später verschiebt sich der Fokus in Richtung Performance: Jetzt möchte ich das, was ich gefunden habe, zuverlässig auf den Punkt bringen.

Was Marie-Luise Neunecker mit wenigen Worten auslösen konnte

Besonders spannend fand ich Sibylles Erinnerungen an ihre ehemalige Professorin Marie-Luise Neunecker.

Sibylle beschreibt sie als unglaublich präzise. Keine endlosen Erklärungen, sondern wenige, sehr konkrete Impulse.

Diese waren dabei keineswegs nur technisch. Es ging darum, „mit Seele“ zu spielen, wirklich „tief [zu] empfinden, was man tut“. Um den Blick nach außen. Und immer wieder um Bilder.

Zum Beispiel:

„Spielen Sie das doch noch mal ein bisschen dunkler und inniger.“

Was für eine schöne Übeidee.

Denn „dunkler“ ist keine präzise physikalische Anweisung. Und trotzdem kann unser Körper offenbar ziemlich viel damit anfangen.

Vielleicht ist genau das ein Experiment für deine nächste Übeeinheit!

Mein „Erkenntniszettel“ aus dieser Folge

Eine Methode aus unserem Gespräch möchte ich unbedingt ausprobieren.

Als Sibylle in ihrer Jugend ihren Ansatz umstellte, malte sie sich einen Kreis auf ein Blatt Papier. Drumherum schrieb sie die Punkte, auf die sie beim Spielen achten wollte sowie Erkenntnisse, die sie im Laufe der Umstellung gewonnen hatte.

Dann wanderte ihre Aufmerksamkeit beim Üben immer wieder von Punkt zu Punkt. Ich nenne das für mich mal den Erkenntniszettel.

Denn wir können sowieso nicht gleichzeitig an Luft, Klang, Phrasierung, Artikulation, Intonation, Körpergefühl und musikalischen Ausdruck denken. Aber wir können unsere Aufmerksamkeit wandern lassen.

Aktuell notiere ich mir solche Gedanken lose in mein Übe-Tagebuch. Die aktuelle Folge ist ein schöner Anlass für mich selbst mal einen solchen Erkenntniszettel zu schreiben.

Das Interview

Hier kannst du dir das Interview sowohl auf Apple Podcast, Spotify oder YouTube anhören! Viel Spaß!

Zur Podcast-Folge 🎧

Zum Nachlesen

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Übezeit #34/50

Lesezeit: 4 Minuten

Was der Brahms sagt

Neulich bin ich über ein Zitat von Johannes Brahms gestolpert:

"Man sollte nie vergessen, dass man durch das tatsächliche Perfektionieren eines Stücks mehr gewinnt und lernt, als durch das Beginnen oder Halbfertigstellen eines Dutzends." 

Leider konnte mir das Internet nicht sagen, auf welche Quelle sich dieser Ausspruch zurückführen lässt. Da mir der Gedanke jedoch so sehr gefallen hat, möchte ich diese Unschärfe heute ausnahmsweise übersehen und über das Für und Wider dieses Satzes nachdenken.

Dranbleiben?

Perfektion ist ein großes Wort. Sicher ist hier allerdings gemeint, sich mit einem Stück wirklich so lange zu beschäftigen, bis es tatsächlich konzertreif ist. Und vielleicht noch darüber hinaus.

Ein Pianist verriet mir neulich im Interview (noch nicht erschienen), dass er auch in seinem bestehenden Konzertprogramm regelmäßig versucht neue Farben, Ansätze und Interpretationswege zu finden. Dranbleiben lohnt sich. Ein Stück Musik kann so plötzlich in einem ganz anderen Gewand erklingen.

Im Studium haben wir damals eine ähnlich Vorgehensweise gelernt. Die Semestertranskription begleitete uns, wie der Name schon verrät, ein ganzes Semester. Mehrere Monate beschäftigten wir uns intensiv mit einem Komponisten/Komponistin, genau einem Stück und versuchten so viele Details wie möglich zu erfassen. Dranbleiben lohnte sich. Das Entdecken der vielen unterschiedlichen Facetten war spielerisch und fühlte sich selten wie üben an.

Und vor allem passierte etwas, das nach zwei oder drei Wochen kaum möglich gewesen wäre: Die offensichtlichen Dinge waren irgendwann entdeckt. Man musste genauer hinsehen und hinhören. Plötzlich wurden Details interessant, die man am Anfang vielleicht übergangen hätte.

Heute beim Unterrichten versuche ich ähnlich vorzugehen. Gemeinsam mit meinen Schüler*innen wähle ich Stücke aus, die uns ebenfalls fast ein halbes Jahr begleiten und, die wir gemeinsam immer wieder neu entdecken.

Vielleicht ist es genau das, was mir an Brahms’ Gedanken gefällt: Manche Dinge zeigen sich erst, wenn man lange genug bei ihnen bleibt.

Weitergehen?

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Übezeit #33/50

Lesezeit: 3 Minuten

Von To-Do’s und anderen Ablenkungen

Man kennt es: Die To-Do-Listen sind voll, die Anforderungen sind hoch und der ständige Begleiter - das Handy - ist nicht gerade hilfreich. Es lenkt uns ab und überschüttet uns gleichzeitig mit immer neuen Informationen, die verarbeitet werden wollen. Und dann soll man auch noch üben?

Der Umgang mit Workload ist auch an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart ein sehr wichtiges Thema. Durch den Bereich Gesundheit/Prävention im von der TK geförderten Projekt „spielend gesund“ wurde ein Angebot geschaffen, um genau dieses Thema zu besprechen. In einem Online-Seminar werden grundlegende Kompetenzen vermittelt, zum Beispiel Kalenderführung, Pausenkonzepte, der Umgang mit der digitalen Welt und der Umgang mit Prokrastination. Musikmachen ist auch Zeitmanagement, die Musik lebt von der Gestaltung von Zeit. Trotzdem sind die meisten Menschen, die musizieren, nicht automatisch die geborenen Zeitmanager:innen. Freie, ungeplante Zeit für die Musik zu nutzen, braucht nicht nur intrinsische Motivation, sondern auch einfache Tools und Methoden.

Passt Üben überhaupt in meinen Alltag?

Wie kann ich denn nun mein Üben, oder lieber mein Praktizieren meiner Musik in mein Leben integrieren?

Der erste Schritt ist herauszufinden:

• Was ist mein IST-Stand?

• Habe ich rein objektiv in meiner Woche dafür Zeit?

• Ist es realistisch?

• Habe ich Übemethoden, die für mich passen und mir Freude geben?

Eine Lösungsstrategie wäre, einen Wochen- oder Tagesplan zu erstellen, in dem die Übezeit fest integriert ist. Dabei geht es nicht unbedingt um fünfmal drei Stunden in der Woche, sondern zum Beispiel um zwei Sequenzen von jeweils 10 Minuten mit einer 3-minütigen Pause. Hier kann man verschiedene Zeitlängen ausprobieren und herausfinden, was im eigenen Alltag realistisch ist.

Die Autorin

Mareike Riegert ist Sängerin, zertifizierte Musikphysiologin, Lehrbeauftragte für Auftrittstraining und „Umgang mit Workload“ an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart sowie Mitglied im Leitungsteam des Bereiches Gesundheit/Prävention und ist auch als Projektkoordinatorin für das Projekt „Spielend gesund“ tätig.

Foto-Credit: Helmut Armin Weidner

Mach es dir so einfach wie möglich

Als nächstes schaut man sich die Rahmenbedingungen an:

• Habe ich überhaupt einen Ort, an dem ich musizieren kann?

• Wie viel Aufwand muss ich betreiben, um überhaupt anfangen zu können?

Das sogenannte „Precommitment“ ist eine der wirkungsvollsten Methoden, um Routinen in sein Leben zu integrieren, das bedeutet z.B. ganz konkret: alle Materialien, die ich für das Üben brauche, sind zugänglich und griffbereit.

Was ist der kleinstmögliche nächste Schritt?

Was ist dann der nächste kleinste physische Schritt? Es könnte auf der „let’s do“-Liste statt „Üben“ folgendes stehen: „Posaune in die Hand nehmen und einen Ton erzeugen“. Hier wissen wir ganz genau, das schaffe ich, das ist machbar, und von da aus ist es ein Leichtes, eine Übesequenz einzuleiten.

Mehr zum Thema:

• Sind meine Ziele wirklich mir? - mit Tobias Dolle

• Mentale Gesundheit in der Musik mit Prof. Dr. Daniel Scholz

• Wie finde ich Zeit zum Üben - Part 1

• Wie finde ich Zeit zum Üben - Part 2

• WOOP Methode

Wenn fünf Minuten alles sind, was du hast

Oft scheitern unsere Pläne, weil wir entweder viel zu viele Schritte auf einmal tätigen wollen oder uns keine „Wenn-dann-Pläne“ gemacht haben.

Hier ein paar Beispiele:

Wenn ich 5 Minuten habe, dann übe ich meine Lieblingsskala.

Wenn ich mein Instrument nicht zur Hand habe, dann übe ich mental oder halbmental.

Wenn ich gar keine Lust auf mein Instrument habe, dann höre ich mir die Musik an, die ich gerade einstudiere, und schreibe mir auf, was mir daran besonders gefällt.

Wenn ich Staubsauge, dann singe ich die Passage durch, die ich praktizieren wollte.

Der Kreativität sind keine Grenzen gesetzt. Wenn Freude aufkommt, sind wir auf dem richtigen Weg.

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Übezeit #32/50

Lesezeit: 2 Minuten

Aber mir fehlen die Ideen…

In der aktuellen Folge mit Molly Gebrian haben wir viel über Variationen beim Üben gesprochen. Das Konzept dahinter ist nicht neu und begleitet dich sicher auch schon beim Üben. Falls nicht, oder falls du auf der Suche nach neuen Varianten bist, habe ich heute ein paar Rhythmus-Variationen für dich.

Folge mit Molly hören 🎧

Der berühmteste Lick aller Zeiten

Als Jazz-Musiker lag es nahe das berühmteste musikalische Zitat aller Zeiten als Beispiel heranzuziehen: The Lick.

Falls du ihn nicht kennst, in diesem Video wird er garantiert auch auf deinem Instrument gespielt.

Das Prinzip lässt sich natürlich problemlos übertragen.

Variationen kennenlernen

Im PDF findest du insgesamt 6 Ideen, wie du eine schwierige Stelle rhythmisch variieren kannst. Selbstverständlich sind noch weitere Variationen denkbar, zum Beispiel in dem du:

• Tonwiederholungen einbaust

• den Rhythmus streckst (statt ihn zu stauchen)

• den Startpunkt (Zählzeit) veränderst.

Deiner Fantasie sind keine Grenzen gesetzt.

Viel Spaß beim Ausprobieren und Üben!

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#53 Molly

Lesezeit: 4 Minuten

Üben heißt für dich

Für mich bedeutet Üben, Probleme zu lösen.

Mit Dr. Molly Gebrian durfte ich im Podcast mein erstes Interview auf Englisch führen. Nachdem ich ihr erfolgreiches Buch über das Üben “Learn Faster, Perform Better” fertig gelesen hatte, hat es mich unglaublich gefreut, dass sie die Gesprächseinladung sofort zugesagt hat.

Wenn du unser Gespräch parallel auf Deutsch mitlesen möchtest, findest du hier ein kostenloses Transkript unseres Gesprächs.

Transkript herunterladen

Mein Lieblingszitat

Dieses „produktive Vergessen“ hilft, Dinge im Gehirn zu festigen. Bei deinem schwierigen Takt brauchst du durchaus Wiederholungen. Aber wenn du alle Wiederholungen direkt hintereinander machst und die Stelle danach liegen lässt, fehlt dieser Effekt. Machst du dagegen beispielsweise fünf Wiederholungen, arbeitest dann an etwas anderem und kehrst später für weitere fünf zurück, musst du kurz überlegen: „Wie ging das noch einmal?“

Wer war nochmal Alex?

Du bist auf einer Party und du lernst Alex kennen. Nach einem kurzen Smalltalk trennen sich eure Wege und nach circa 15 Minuten dämmert es dir: Wie war nochmal sein Name?

Mir ist das schon häufig passiert - unangenehmerweise. Gerade erst kennengelernt, vergisst man oft viel zu schnell wieder den Namen. Lernt man ihn dann ein zweites Mal, prägt er sich nachweislich viel besser in unserem Gedächtnis ein.

Molly hat diese Erfahrung produktives Vergessen genannt und auf das Üben angewandt: Über Interleaved Practice habe ich auch hier im Newsletter schon öfters berichtet.

Sie verweist zudem auf eine Studie, bei der das Gehirn während solcher Pausen die unmittelbar zuvor geübte Bewegungssequenz stark beschleunigt (circa 20x) erneut abspielte. Ein erheblicher Teil des Lernfortschritts zeigte sich dabei zwischen den Übephasen.

Pausen sind damit nicht das Gegenteil von Üben. Pausen sind Teil des Übens!

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Jedoch eine Folge wie diese auf Englisch vorzubereiten, zu moderieren, zu produzieren und anschließend auf Deutsch für dich aufzubereiten war ein echtes Großprojekt. Vielen Dank an die Unterstützer*innen hier auf Steady, die mit ihrem Beitrag das möglich machen.

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🧠 Mindset & Motivation: Spielen ≠ Üben

„Das Problem entsteht meiner Meinung nach dann, wenn man beides miteinander verwechselt: Wenn man Spielen zum Spaß und Üben für dieselbe Tätigkeit hält.“

Sollte man Spielen und Üben trennen? Molly Gebrian sagt ja.

Gerade wenn wir uns nach einer Durchspiel-Session fragen, warum die schwere Stelle immer noch nicht funktioniert, müssen wir uns dies bewusst machen. Für Molly gehört der Problemlöse-Aspekt stets zum Üben dazu. Fehlt dieser, spielen wir.

Keinesfalls darf man daraus jetzt ableiten, dass man nur noch Üben sollte. Solange dir der Unterschied bewusst ist und du Üben und Spielen trennen kannst, ist beides gut. Vor allem, wenn dir - anders als Molly - das bloße Spielen auch Freude bereitet.

Die 6-Punkte Strategie für dein Üben

Für die nächste Übeeinheit kannst du aus Mollys Gedanken ein kleines Experiment machen:

1. Entscheide vor dem ersten Ton, welches konkrete Problem du lösen möchtest.

2. Wähle dafür bewusst eine Strategie.

3. Arbeite nur wenige Minuten daran.

4. Mache eine kurze Pause oder wechsle zu Problem B.

5. Kehre später zu Problem A zurück und prüfe, was ohne vorheriges Einspielen noch funktioniert.

6. Beurteile den Erfolg nicht nur heute, sondern morgen.

Das Interview

Hier kannst du dir das Interview sowohl auf Apple Podcast, Spotify oder YouTube anhören! Viel Spaß!

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Lesezeit: 3 Minuten

Eine andere Herangehensweise finden

„Ich hab voll viel geübt, aber das hat einfach überhaupt nicht geklappt – die eine Stelle ging gar nicht!“

„Zuhause hat es gestern Abend eigentlich voll gut geklappt, aber als ich es eben noch mal ausprobiert habe, war wieder alles komplett weg.“

Oft beginnt die Suche nach Verbesserung bei einer Problem- bzw. Zustandsbeschreibung und der Suche nach einer passenden Lösung. Das ist nicht falsch, aber könnte man das auch andersherum starten?

Bevor Du gleich das Lesen einstellst, weil Du Dich fragst, wie man Fortschritt erzielen soll, ohne an seinen Schwächen zu arbeiten: Hear me out.

Pflanzen retten

“Deshalb lasse ich die Kinder viele Stücke als Hausaufgabe üben – aber die meisten davon sind Stücke, die sie schon können. Vielleicht ein oder zwei neue, der Rest sind bekannte.”

Prof. Michael Dartsch (im Podcast-Interview)

Stell dir einen Bauern vor, der nach der Aussaat feststellt, dass 100 Pflanzen lediglich 10 keimen. Sollte er sich auf die 90 konzentrieren, die noch nicht blühen, oder lieber den 10 bereits vorhandenen Pflanzen zu möglichst viel Ertrag verhelfen?

Was prof. dartsch sagt

Ressourcenorientierung vs Fehlervermeidung 

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Übezeit #30/50

Lesezeit: 3 Minuten

Talent oder Training?

In meiner Jugend war ich für kurze Zeit Teil einer Rockband, in der ich Keyboard gespielt habe. Neue Songs einstudieren, hieß für mich immer herausfinden, was dort eigentlich passiert. Auch wenn die einschlägigen Internetseiten mit Akkorden oft eine gute Starthilfe waren, ganz zufrieden haben sie mich nie gemacht. Als Jochen Neuffer im Gespräch erzählte

“Traue keiner Transkription, die du nicht selbst gemacht hast.”

musste ich daran denken.

Ohne das Wort damals gekannt zu haben, fertigte ich für jeden Song meine eigene Transkription an. Umso schneller ich darin wurde, umso mehr Spaß machte es. Hatte ich dafür plötzlich Talent entwickelt oder war ich nur gut im Training?

Unser Ohr erkennt Muster

Eine Studie aus dem Jahr 2004 hat sich genau dieser Frage angenommen. Untersucht wurde, welche Strategien Rockmusiker*innen verfolgen, wenn sie neue Lieder nach Gehör mitspielen. Die zentrale Erkenntnis:

Nach Gehör spielen, lernt man durch nach Gehör spielen.

Mit wachsender Erfahrung erkennen wir typische Akkordfolgen und musikalische Formen. Bestimmte Muster hat man schon so häufig gehört und gespielt, dass man nicht mehr jede einzelne Note neu entschlüsseln müssen. Ein bisschen wie beim Sprechen einer Fremdsprache.

NB: Wenn dich die Verbindung von Musik und Sprache noch mehr interessiert, schau mal hier:

• Die Audiation - Interview mit Prof. Almuth Süberkrüb

Wo soll ich anfangen?

Die Studie von Johanssons zeigte: Selbst erfahrene Musiker*innen nutzen beim Heraushören ganz unterschiedliche Anhaltspunkte. Sie hören beispielsweise auf die Basslinie, die Melodie, den charakteristischen Klang eines Instruments oder bereits bekannte Akkordfolgen.

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#52 Hannah

Lesezeit: 3 Minuten

Üben heißt für dich

„Immer wenn der Körper mit Verdauung beschäftigt ist, dann ist er nicht im Performance Mode.“

Was wir essen, beeinflusst nicht nur unseren Körper, sondern auch unsere Konzentration und damit unsere musikalische Performance. Was im Sport längst zur guten Wettkampfvorbereitung gehört, findet in der Musik noch wenig Beachtung. Mein aktueller Gast, Musiker und Diätologin Hannah Lhotta, möchte dies ändern.

Hannah und ich haben uns auf dem Symposium “Beyond the Score” der Österreichische Gesellschaft für Musik und Medizin Anfang des Jahres in Salzburg kennengelernt. Sie präsentierte dort, genauso wie ich, die Ergebnisse ihrer Arbeit. Ihr Postervortrag begeisterte mich sofort und wir vereinbarten noch am ersten Abend das Podcast-Interview.

Mehr zur Arbeit von Hannah findest du hier:

Mein Lieblingszitat

„Ein Konzert ist eine körperliche Höchstleistung.“

Das Was und Wann sind entscheidend

Entscheidend sind Timing, Menge und Planung. Eine große, ballaststoff- und fettreiche Mahlzeit direkt vor einem Konzert kann viel Verdauungsleistung beanspruchen. Selbst wenn diese gesund ist. Deshalb empfiehlt Hannah, die eigentliche Hauptmahlzeit früher zu essen und kurz vor dem Auftritt eher auf kleinere, gut verträgliche Snacks wie Banane, Brot oder Müsliriegel zu setzen.

Für lange Übe- und Probentage ist vor allem ein möglichst gleichmäßiger Energieverlauf von Vorteil. Vollkornprodukte, Kartoffeln, Reis oder Nudeln lassen den Blutzuckerspiegel langsamer steigen als stark zuckerhaltige Lebensmittel. Starke Schwankungen können dagegen Hunger und das Verlangen nach schnell verfügbarer Energie begünstigen.

Spätestens nach ungefähr vier Stunden solltest du wieder etwas essen. Gerade bei Probenwochenenden sind Obst, Nüsse, Rohkost oder ein belegtes Brot einfache Begleiter. Und: Trinken. Ausreichend Flüssigkeit ist für die Konzentrationsfähigkeit besonders wichtig.

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“Wie übt eigentlich..?” Playlist

Die Musik-Empfehlungen meiner Gäste findest du natürlich auf meiner “Wie übt eigentlich..?” Playlist.

Praktische Empfehlungen für deinen Musikeralltag

• Die Tellerregel: ungefähr ½ Gemüse/Salat, ¼ Kohlenhydratbeilage (z.B. Kartoffeln, Reis, Nudeln, Brot bei kalter Mahlzeit) und ¼ Eiweißquelle (Fisch, Flesich, Eier, Milchprodukte oder Tofu). 

• Die Vier-Stunden-Erinnerung: Bei langen Probe- und Übetagen spätestens nach etwa vier Stunden wieder etwas essen.

• Notfall-Snacks: Banane, anderes Obst, Nüsse, Müsliriegel, Rohkost oder belegtes Brot.

• Der “Backup-Snack“: Lieber etwas Einfaches selbst dabeihaben, als bei großem Hunger nur noch nach der schnellsten verfügbaren Option zu greifen.

• Trinkmahlzeit für den Notfall: Hannah sieht industriell hergestellte Trinkmahlzeiten nicht als ideale Dauerernährung, aber als pragmatische Notlösung an sehr chaotischen Konzert- oder Probentagen. 

• Wasser auf die Bühne: Bei längeren Sets empfiehlt sie Flüssigkeit auf der Bühne; für Sänger und Bläser eher stilles Wasser. 

• Kaffee bewusst einsetzen: Koffein kann für die Performance genutzt werden, sollte aber zur eigenen Nervosität und zum Schlafrhythmus passen. 

• Empfehlungen der DGE: Die Deutsche Gesellschaft für Ernährung stellt weitere konkrete Ernährungstipps zusammen. Hier findest du sie.

Das Interview

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Übezeit #29/50

Lesezeit: 3 Minuten

Kreativ üben mit Musik-Apps

Auch wenn ich mein Smartphone im Übe-Raum so gut es geht verbanne, gibt es doch einige Apps, die ich regelmäßig zum Üben nutze. Einige davon möchte ich dir von Zeit zu Zeit im Übezeit Newsletter vorstellen.

Hinweise: Diese App-Tipps sind unbezahlte Empfehlungen – ich erhalte dafür weder Geld noch Vergünstigungen.

Intonationstraining

Intonationsübungen sind nicht nur für uns Bläserinnen und Bläser interessant. Auch beim Spielen von Streich- oder Zupfinstrumenten hilft ein fein justiertes Ohr ungemein. Nicht nur beim Stimmen ohne Stimmegerät. Die App InTune trainiert mit dir genau diese Feinabstimmung und fordert dich heraus wirklich genau hinzuhören.

Das Prinzip ist simpel

Das Prinzip der App ist selbsterklärend: Du hörst zwei Töne und kannst via Wisch nach oben oder unten entscheiden, in welche Richtung der zweite Ton abweicht. In Level 1 startest du mit einem Halbton, aber sehr schnell wird der Abstand zwischen den beiden Tönen immer geringer.
Diese Fähigkeit nennt man in der Forschung Tonhöhenunterscheidung (“pitch discrimination”).

App basiert auf Forschungsergebnissen

InTune liegen gut 25 Jahre Forschungsarbeit zugrunde. Daniel Kazez, emeritierter Musikprofessor an der Wittenberg University, entwickelte die App gemeinsam mit Ben Kazez. Auf der Webseite der App findest du 8 interessante Tipps, wie du deine Intonation weiter verbessern kannst.

Zu den Tipps

Auch hier in der Übezeit gab es in der Vergangenheit bereits einige Tipps. Ich selbst arbeite am liebsten mit Drone Tones - also einem langen ausgehalten Ton, über den man Skalen, Licks oder andere diatonische Passagen üben kann. Gleichzeitig lernt man auch etwas über die Beziehung, also die Stufe, der Töne zum Grundton (Drone Tone).

Differenztöne üben

Schneller Fortschritt

Ich bin tatsächlich erst diese Woche auf die App gestoßen und habe drei Durchgänge spielen können. Glücklicherweise attestierte mir die App dann auch im zweiten Versuch, dass ich doch Musiker sein müsse.

Es ist erstaunlich zu beobachten, wie schnell man Fortschritte macht und unser Ohr zunehmend sicherer wird. Das scheint sich auch durch die Forschungsarbeit von Daniel Kazez zu bestätigen: Musiker verbesserten sich umso mehr, je öfter sie spielten: dreimal schneller als diejenigen, die die App nicht nutzten.

Fazit

InTune ist eine wunderbare kleine App, die eine enorm große Wirkung entfalten kann. Im Basispaket der App für 0,99 € ist ein Sinuston enthalten. Für jeweils weitere 0,99 € kann man sein persönliches Instrument dazu kaufen. Das erhöht dann nicht nur den Spaß-Faktor, sondern schult auch weiter unser Gehör.

mehr zu Intune

PS: Nutz du auch Apps beim Üben, die mehr Musikerinnen und Musiker kennenlernen sollten? Schreib mir gerne eine Email mit deinem App-Tipp an patrick@what-is-practice.de ! Ich freue mich von dir zu hören!

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Übezeit #28/50

Lesezeit: 3 Minuten

Worauf wir schauen

Beim Üben haben wir ein Ziel: besser werden. Ich kann nur von mir sprechen, aber ich kann sehr ungeduldig sein. Also würde der der Satz beim mir wahrscheinlich so weiter gehen: besser werden - so schnell wie möglich. Vielleicht geht es dir ähnlich.

Nun lernt man allerdings schon früh, dass gut Ding Weile braucht. Beim Üben können wir das für uns nutzen und unseren Fokus, wann eine Verbesserung eintritt, verstärken.

Sofort besser werden

Gehen wir davon aus, dass wir eine neue, schwierige Stelle auf die gleiche Art und Weise wiederholt haben, so stellt sich meist nach einigen Minuten eine gewisse Verbesserung ein. Diese Form des Übens nennen wir blockweises Üben. In einem der letzten Ausgaben habe ich dir diese Methode bereits zum Kennenlernen von neuen Stücken empfohlen. Daran rüttelt natürlich auch diese Übezeit nicht.
Aber wie viel sagt das über unseren tatsächlichen Leistungsanstieg aus?

Trügerische Kompetenz

“How well you think you’re doing during practice is not a very good measure of how much you have improved. It’s when you come back the next day that you really know how much you’ve learned.”

Molly Gebrian

Hier und da erwische auch ich mich dabei, dass eine Passage am Folgetag weniger flüssig funktioniert als noch am Tag zuvor. Natürlich können eine Reihe von Faktoren dafür verantworlich sein. Inzwischen versuche ich aber immer öfter dadurch Rückschlüsse auf meine Übe-Qualität zu ziehen.

Zahlreiche Studien (viele aus dem Sport oder zu einfachen motorischen Aufgaben wie Bohnensäckchen-Werfen) belegen inzwischen, dass eine angemessene Variabilität in unseren Wiederholungen zu langfristig besseren Übe-Ergebnissen führt.

Damit ich davon allerdings wirklich profitieren konnte, musste ich eine Sache verstehen: Das Ziel darf nicht ausschließlich sein, am Ende einer Übe-Einheit gut zu spielen. Vielmehr ist es wichtig zu akzeptieren, dass um langfristig erfolgreich zu sein, unsere Übe-Methoden kurzfristig uns das Gefühl geben, weniger Fortschritte zu machen. Wie zum Beispiel am Ende einer Übe-Einheit.

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#51 Jochen

Lesezeit: 4 Minuten

Üben heißt für dich

Üben heißt für mich die Beschäftigung mit mir selbst.

Mein Gast erster Gast der neuen Staffel ist Jochen Neuffer.

Jochen ist Pianist, Arrangeur und Dirigent und gehört seit über 11 Jahren zum Leitungsteam des Metropole Orkest, einem der führenden Pop-Orchester der Welt. Als ich im Mai dort zu Besuch war, wurde gerade fleißig mit Cory Wong geprobt.

Mein Lieblingszitat

“Wenns keine Stille gibt, wäre die Musik nicht so bedeutungsvoll.”

Oscar Peterson als Vorbild

Die Alben We Get Requests und Night Train begleiten Jochen seit seiner Jugend. Was ihn an Peterson fasziniert, ist neben dessen Virtuosität vor allem seine enorme stilistische Bandbreite.

Dass Jochen ausgerechnet Oscar Peterson als Vorbild nannte, fand ich interessant. Denn gerade die Vielseitigkeit zeichnet für mich das Klangbild von Jochens Arrangements aus.

Oscar Peterson bei Dick Cavett

Wie übt ein Arrangeur?

Anders als bei uns Musiker*innen, findet das Üben eines Arrangeurs immer live mit anderen statt. Ob ein Stück wirklich so funktioniert, erfährt man eben erst in der Probe.

Für Jochen nimmt daher die Vorarbeit einen sehr entscheidenden Platz ein. Ein neues Arrangement startet immer mit einer genauen Transkription der Aufnahme, die ihm zu Verfügung steht.

Das lässt sich wunderbar aufs eigene Üben übertragen. Wenn dich ein Song begeistert, such nicht sofort nach Noten oder einem Youtube-Tutorial. Starte mit ein paar Takten und versuche selbst herauszufinden, was dort gespielt wird. Welche Bassnote hörst du? Welche Akkorde klingen? Wie ist die Artikulation? Was macht das Schlagzeug? Bei Solo-Repertoire kannst du dir deine Lieblingsaufnahmen anhören und z.B. insbesondere auf die Phrasierung achten.

Erst nachdem dieser Schritt getan ist, beginnt für Jochen dann der eigentliche Schreibprozess: Die Suche nach geeigneten Klangfarben, Ideen und Rhythmisierung endet bei Jochen manchmal auch mit Blick in die Partituren anderer Komponist*innen. Für “Prelude to a Meditation” schaute er zum Beispiel bei Debussy, Ravel und Clare Fischer.

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“Wie übt eigentlich..?” Playlist

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🧠 Mindset & Motivation: Jede Idee notieren

Jochen stellt die These auf, dass Ideen eigentlich im Überfluss vorhanden sind. Das Problem sei vielmehr, dass wir manchmal keinen Zugriff auf diese „Quelle“ bekommen. Das erleben wir dann als Schreibblockade.

Und dafür sieht er einen konkreten Grund: Wir vermischen zwei Phasen, die getrennt gehören.

Phase 1: Ideen sammeln.
Jede Idee ist es wert, notiert zu werden. Die Bewertung erfolgt erst in Phase 2.

Phase 2: Ideen auswählen.
Aussortieren und ausgewählte Ideen weiterverfolgen.

Sein Beispiel dafür: Peter Jacksons Beatles-Dokumentation Get Back. Die Beatles probieren dort selbst Ideen aus, bei denen zunächst kaum vorstellbar ist, dass sie auf einer fertigen Platte landen werden. In der Doku wird ein Ausschnitt gezeigt, in der alle einen Song mit geschlossenen Zähnen performen. Entscheidend ist: Erst ausprobieren, später urteilen.

Vorbereitung ist wichtig. Reagieren ist wichtiger.

Auch aus Jochens Arbeit als Dirigent lässt sich etwas fürs Üben mitnehmen.

Er geht mit einer klaren Klangvorstellung in eine Probe. Gleichzeitig hat er gelernt, seine vorbereitete To-do-Liste nicht einfach stumpf abzuarbeiten. Denn vielleicht funktioniert genau die Stelle hervorragend, von der er dachte, sie würde Probleme machen. Dafür taucht an anderer Stelle etwas völlig Unerwartetes auf.

Seine Aufgabe ist dann: hören, diagnostizieren, reagieren.

Die kreative Routine

Kreative Arbeit kommt bei Jochen als Erstes. E-Mails, Rechnungen und organisatorische Dinge folgen später. Denn zum Schreiben möchte er noch frisch sein. Auch wenn das in einer Festanstellung natürlich nicht so einfach umzusetzen ist, gefällt mir der Gedanke dahinter: kreatives Arbeiten braucht einen freien Kopf.

Jochen nennt das Ritual, dass er dazu morgens nutzt Selbstfürsorge. Ein guter Kaffee, Frühstück. Ich finde, sein Ansatz geht aber noch ein wenig darüber hinaus. Atem-Techniken, wie Box Breathing, helfen ihm in stressigen Situationen zu innerer Ruhe zu kommen.

Sein Grundsatz:

„Je simpler, desto besser.“

Das Interview

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Übezeit #27/50

Lesezeit: 3 Minuten

Übst du vom Blatt lesen?

Ein neues Stück im Verein oder im Unterricht. Das spontane Duett mit dem Freund, die Liedbegleitung eines Gesangsstücks oder die kurzfristige Aushilfe in einem anderen Ensemble. Für all diese Situationen hilft es gut und sicher vom Blatt lesen zu können.
Aber Hand aufs Herz: Wie oft übst du das eigentlich?

Eine besondere Technik

Unser Gehirn mag Muster, aber lässt sich damit auch am effektivsten üben bzw. unsere Lesefähigkeit steigern? Eine Studie aus dem Jahr 2016 hat sich genau das angeschaut. Das interessante war dabei nicht nur das Ergebnis der Untersuchung, sondern vor allem eine Gemeinsamkeit mit einem Tipp, den Molly Gebrian in Learn faster, perform better schrieb. Aber der Reihe nach.

Konzentration auf mehr als einen Aspekt

Die Studie von Zhukov et al. untersuchte die Wirksamkeit eines neuen Blattspiel-Lehrplans für fortgeschrittene Klavierschüler*innen, der die Aspekte

• Begleitung

• Rhythmus

• Stilverständnis

kombinierte. Die Ergebnisse wurde mit einer früheren Studie verglichen, in der eine größere Teilnehmerzahl sich lediglich auf einen Aspekt beim Blattspieltraining konzentrierte. Alle Stücke der Studie waren leichter als das gewöhnliche Repertoire der Teilnehmer*innen, sodass die Herausforderung nicht im Erarbeiten bestand sondern tatsächlich in der Lesefähigkeit.

Das ist entscheidend für die Bewertung der Ergebnisse, finde ich. Gleichzeitig erinnerte es mich an etwas, das ich neulich bei Molly Gebrian gelesen habe.

Performance trainieren

Die Studie fand heraus, dass eine Kombination im Erarbeiten von Blatt-Lese-Stücken effizienter ist, als die bl0ße Konzentration auf einen einzelnen Aspekt. Leider lag der Lehrplan der Studie nicht bei - man kann also nur mutmaßen wie er tatsächlich aufgebaut ist. Der Hinweis, dass die Stücke etwas leichter als das gewöhnliche Repertoire waren, lässt jedoch eine Vermutung zu:

Wenn man unser Spiel grob in einen

• Erarbeiten (Üben)

• Vortragen (Performance)

Part unterteilt, so konnte Molly Gebrian zeigen, dass im Performance-Teil unser Spiel stark von Interleaved Practice profitiert.

Im Gegensatz zu Blocked Practice, wo wir einen Aspekt einer schwierigen Stelle gezielt üben, wechseln wir beim Interleaved Practice ständig zwischen den Passagen hin und her. Unser Fokus liegt in der Performance-Situation, in der wir nicht nur auf verschiedene Parameter (Klang, Intonation, Phrasierung, Artikulation etc.) achten, sondern es mit ständig wechselnden Anforderungen zu tun haben.

Eine Vereinfachung - 4 Tipps

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Übezeit #26/50

Lesezeit: 3 Minuten

Was ein Longrun und Üben gemeinsam haben

Mittwoch, 17:30 Uhr. Das Thermometer zeigt immer noch 34 Grad an. Vielleicht nicht der beste Tag für den ersten Longrun des Jahres, aber sei es drum. Mein Ziel: Mehr als 8km bei möglichst niedriger Herzfrequenz.

Sportanalogien begleiten diesen Newsletter ja bereits seit längerem. Ich glaube, dass hat vor allem zwei Gründe:

1. Der Blick von Außen (Sport) erlaubt uns die Dinge aus einem anderen Blickwinkel zu sehen.

2. Training und Üben haben eben doch einige Parallelen.

Gerade letzteres ist immer wieder Forschungsidee für Studiensettings. Was man aber nicht weniger unterschätzen sollte, ist, dass die Erwartungen uns selbst gegenüber sich im Sport verändern. Man könnte auch sagen: Im Sport gelingt es uns leichter den Dingen mit dem Anfängergeist zu begegnen.

Der Anfängergeist

Der erste Kilometer ist geschafft. Pace und Herzfrequenz stimmen mich zuversichtlich. Ist doch gar nicht so warm, denke ich während ich einen Schluck aus der Trinkflasche nehme.

Die Idee des Anfängergeist stammt ursprünglich aus dem Zen-Buddhismus und meint Dingen mit Offenheit, Neugierde und unvoreingenommen zu begegnen. Mein Gast Nik Bärtsch hat mir erstmals davon berichtet. Seit Üben baut stark auf dieser Idee auf. Wenn ich den Gedanken weiter führe, erinnert es mich auch an die Idee des Agilen Übens, von der mir Regina Brandhuber berichtet hat. Übertragen auf Dinge, die man nicht zum ersten Mal macht, bedeutet es nämlich auch auf seine Tagesverfassung Rücksicht zu nehmen.

Folge mit Nik Bärtsch

Folge mit Regina

Die Tagesform akzeptieren

Unter einer Brücke bleibe ich kurz stehen und schaue auf die Laufuhr: 4km. Der Puls ist höher als ich es mir vorgenommen hatte. Bevor ich losgelaufen bin, hatte ich mir den ultimativen Tipp eines YouTubers eingeholt. Er meinte: Wenn selbst beim langsamen Laufen die Herzfrequenz zu hoch ist, hilft nur eins: Gehen.
Und das tue ich dann auch.

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Übezeit #25/50

Lesezeit: 4 Minuten

Die 2-Minuten Aufnahme

Geübt. Aufgezeichnet. Angehört?

Du kennst das sicher: So eine Aufnahme des eigenen Spiels sagt oft mehr als man hören möchte. Gerade jedoch, wenn du nicht regelmäßig Unterricht besuchst, ist das Feedback eine wertvolle Hilfe, um dein Spiel weiterzuentwickeln. Aber eben auch sehr ehrlich. Wie schafft man es also, möglichst analytisch und wenig subjektiv das eigene Spiel anzuhören und zu bewerten?

Warum Aufnahmen sinnvoll sind

Aber der Reihe nach. Warum sollten wir uns überhaupt aufnehmen - schließlich hören wir uns ja durchgehend selbst beim Üben?

Multitasking ist nicht die Stärke des Menschen. Vielmehr springen wir sekundenschnell von Aufgabe zu Aufgabe. Da Musizieren bereits zu den komplexesten Anforderungen zählt, die das menschliche Gehirn bewerkstelligen kann, wäre es sehr optimistisch zu glauben, dass man gleichzeitig auch sein eigenes Spiel objektiv bewerten könnte.

Aufnahmen, egal ob Audio oder Video, können dich hierbei allerdings hervorragend unterstützen. Sie zeigen nüchtern, was ist. Zudem ist es eine super Möglichkeit, den eigenen Fortschritt zu dokumentieren.

Schritt 1 - Das richtige Set-Up

Die Umgebung

• Wähle einen möglichst ruhigen Aufnahmeraum

• Teppiche, Vorhänge und Möbel können unerwünschten Hall vermeiden

Mikrofon-Platzierung

• Die optimale Position hängt immer auch vom Instrument ab. Generell gilt: Mikrofon etwa auf gleiche Höhe wie dein Instrument platzieren und circa eine Armlänge Abstand halten

• Richte deinen Klang auf das Mikrofon

Mit den klassischen Sprachmemo-Apps auf unseren Smartphones können wir nur bedingt Klangparameter (z.B. Gain) steuern. Wenn du insbesondere ein Übersteuern vermeiden möchtest, lohnt es sich zumindest die Aufnahme mit einem anderen Programm (z.B. GarageBand) durchzuführen.

Ich nutze meistens mein Zoom H6 (nutze ich auch für die Podcast-Aufnahmen), aber auch die kleineren Versionen des Zooms (H1 oder H2) funktionieren wunderbar. Mit meinem Laptop nutze ich das günstige USB-Mikrofon Samson G-Track Pro.

Schritt 2 - Worauf du beim Hören achten sollest

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Übezeit #24/50

Lesezeit: 3 Minuten

Kreativ üben mit Musik-Apps

Auch wenn ich mein Smartphone im Übe-Raum so gut es geht verbanne, gibt es doch einige Apps, die ich regelmäßig zum Üben nutze. Einige davon möchte ich dir von Zeit zu Zeit im Übezeit Newsletter vorstellen.

Hinweise: Diese App-Tipps sind unbezahlte Empfehlungen – ich erhalte dafür weder Geld noch Vergünstigungen.

Der digitale Übe-Kalender

Die letzten beiden App-Empfehlungen liegen tatsächlich schon etwas zurück. Papier, Stift und mein Metronom haben mich in den letzten Wochen wieder mehr überzeugt.

Zur Erinnerung: In den ersten beiden Ausgaben dieser Reihe, habe ich dir spezielle Erweiterungs-Apps vorgestellt, die du gezielt in dein Üben einbauen kannst:

• Gap Click: eine Metronom-App, die dir hilft rhythmische Sicherheit zu trainieren.

• iPractice Pro: Von Intonationstraining bis hin zum Üben von typischen Akkordverbindungen. Diese App bereichert das vor allem das Üben von Jazz-Musiker*innen.

Die heutige App verbindet wieder alle musikalischen Genres und bietet dir ein digitales Kalendertool speziell für deine Übe-Planung.

Planung ist das halbe ganze Üben

Effektive Planung kann unser Üben sehr stark fördern. Langfristige Ziele motivieren und das Einteilen in kleine Übe-Portionen hilft Konzerte optimal vorzubereiten.

Genau das macht sich Practice Room zu nutze und bietet dir einen digitalen Übe-Kalender. Du kannst wiederkehrende Blöcke im Voraus (z.B. das tägliche Warm-Up) oder in der “Spontan Üben” Funktion Einzel-Einheiten planen.

Besonders hilfreich ist mir die Bemerkungsfunktion am Ende einer abgeschlossenen Session aufgefallen. Dort kannst du Feedback oder Ideen für die kommende Übe-Einheit zu diesem Thema notieren. So gehen deine Gedanken nicht verloren und du kannst mit den gewonnen Erkenntnissen direkt in die kommende Übe-Einheit starten.

Übe-Tipps direkt über die App abrufbar

Neben der Planung zeichnet die App darüberhinaus auch ein umfangreiche Übe-Tipp Bibliothek aus. Den ein oder anderen wirst du sicher aus diesen Newsletter, dem E-Book oder den Gesprächen mit meinen Gästen kennen. Aber wie sagt man so schön:

Steter Tropfen höhlt den Stein.

Die Tipps erreichen dich schließlich genau dort, wo du sie benötigst.

Das beste: Die App funktioniert sogar vollständig im Flugmodus. Das hilft nicht erwünschte Störungen von Außen zu minimieren.

Hybrides Üben wird schwierig

Ich gebe zu, mein Smartphone und ich, haben hin und wieder ein schwieriges Verhältnis im Proberaum. Oft genug lenkt es mich eben doch wieder ab. Wenn du dein Üben mithilfe von Practice Room digital planst und von den Gamification Ideen profitieren möchtest, dann musst du auch den Timer innerhalb der App starten. Nur so kannst du eine Übe-Einheit abschließen.

Wenn du also hybrid üben möchtest, also z.B. digital planst und analog übst, wird es schwierig alle Features der App auszuschöpfen. Neben Punkten und Tagen, die du sammelst, wartet auch ein Statistik-Bereich auf dich, der dir deine Übe-Inhalte aufschlüsselt.

Fazit

Practice Room ist eine sehr gelungene Bereicherung für das eigene Üben. Die Kombination aus Planungs- und Lernbereichen sowie die Ideen zur Gamification und dem Gemeinsamen Üben (Bereich “Freunde”) überzeugt durchweg. Die App wurde im Rahmen der Abschlussarbeiten von Soleil Fröhlich und Erika Spring (Universität für Musik und darstellende Kunst Wien) in Kooperation mit Lucas Enzi und Hanna Flatz (Universität Wien) entwickelt und ist kostenlos für Android und iOS verfügbar.

mehr zu practice Room

PS: Nutz du auch Apps beim Üben, die mehr Musikerinnen und Musiker kennenlernen sollten? Schreib mir gerne eine Email mit deinem App-Tipp an patrick@what-is-practice.de ! Ich freue mich von dir zu hören!

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Übezeit #23/50

Lesezeit: 4 Minuten

Mehr Pausen = Bessere Performance?

Erinnerst du dich noch daran, als du das letzte Mal etwas wirklich lernen musstest?

Zugegeben bei mir ist das auch schon ein paar Tage her, aber ich erinnere mich noch sehr gut daran, wie ich mich sicherer gefühlt (und auch besser abgeschnitten habe), wenn ich mein Lernpensum auf mehrere Tage verteilen konnte: Also lieber an drei Tagen jeweils eine Stunde, statt an einem Tag drei Stunden am Stück. Inzwischen bestätigen Forscher*innen diese These.

Was lässt sich daraus für unser Üben gewinnen?

Der ausgedehnte Übe-Plan

Stellen wir uns ein ideales Set-Up vor: Bis zum Konzert sind noch mindestens 6 Wochen Zeit und du versuchst dein Übe-Pensum bestmöglich aufzuteilen. Wie solltest du am besten vorgehen?

Dr. Molly Gebrian stellt in ihrem Buch “Learn faster, perform better” dazu einen sehr spannenden Ansatz vor: den ausgedehnten Übe-Plan.

zur rezension des buchs

1 - Pausen in längeren Perioden denken

Häufig denken wir beim Üben nur unser tägliches Pausenmanagement. Ich arbeite fast ausschließlich mithilfe der Pomodoro-Technik, die einen sehr klaren Rahmen vorgibt, wie das Verhältnis von Übe-Einheit und Pausen aussehen kann.

Was man dabei jedoch vergisst ist, dass es natürlich auch einen Langzeiteffekt von Pausen gibt. Molly Gebrian schlägt daher in ihrem ausgedehnten Übeplan (expanding schedule) vor, Pausen auch über längere Perioden (z.B. Tage und Wochen) zu denken.

2 - Üben über den Tag verteilen

In einem idealen Set-Up können wir mehr als eine Übe-Einheit am Tag planen. Bei mir wäre das definitiv früh morgens und wieder am späten Nachmittag. Leider ist oftmals gar nicht so leicht umzusetzen - schon gar nicht, wenn Musik nur ein Hobby ist.

Studien zeigen, dass wenn wir eine Stelle bis zu (max.) drei Mal verteilt über einen Tag üben können, dies deutlich effektiver ist, als sich die gleiche Stelle nur einmal am Tag anzusehen.

Ich experimentiere daher gerade in meinem Üben eine Idee des Interleaved Practice - dazu gab es bereits die zwei Ausgaben hier.

• Interleaved Practice - Was ist das?

• Interleaved Practice - Übe-Ideen

Ich versuche zwischen dem ersten Üben der schwierigen Stelle und dem zweiten Durchgang eine Stunde andere Inhalte zu üben - möglichst verschieden von dem was zuvor Inhalt meiner schwierigen Stelle war.

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Übezeit #22/50

Lesezeit: 4 Minuten

Gastbeitrag von Tina Laube.

Wie das Ressourcenbewusstsein dich bei Auftrittsängsten und Selbstzweifel unterstützen kann

“Und das Wichtigste ist, was sind deine Stärken an der Violine?”

Diese Frage stellte mir Elias Kim, der damalige Assistent meines Professors Georg Hamann, während meines Studiums an der Universität für Musik und Darstellende Kunst Wien.

Es war der Beginn meines 3. Studienjahres – große Ambitionen, fette Krise. Ich hatte keine Ahnung, was meine Stärken an der Violine waren.

Defizitorientierung ist in der Musikausbildung nicht unüblich. Und macht in gewisser Hinsicht auch Sinn. Wenn wir vorankommen möchten, versuchen wir zu fixen, was noch nicht gut läuft.

ABER! Wenn wir uns dabei unserer Stärken nicht bewusst sind, destabilisieren wir uns selbst oder im Unterrichtskontext unsere Schüler:innen und Studierenden.

Kennst du das Gefühl, jeden Tag von vorn beginnen zu müssen, besonders lange Einspiel-oder Einsingphase zu brauchen, das es dir extrem schwer fällt, neues Repertoire anzufangen oder das du immer wieder Selbstzweifel oder Auftrittsangst auf der Bühne erlebst?

Das sind Hinweise darauf, dass es an der Zeit ist, deinen Ressourcenkoffer zu füllen!

Mit einem gefüllten Ressourcenkoffer ist es viel leichter, in herausfordernden Situationen resilient zu bleiben und Schwierigkeiten zu meistern.

5 Ressourcen, mit denen du deinen Ressourcenkoffer füllen kannst

1. Was tut dir gut?

Kleine Frage - große Wirkung!

Du kannst dich fragen, was dir wirklich gut tut und dich unterstützt dich zu konzentrieren, Leistung abzurufen und dann wieder zu entspannen und aufzutanken! So sorgst du für dich und deine optimale Leistungskurve, was sich wiederum positiv auf dein Vertrauen auswirkt.

2. Körperübungen

Es gibt verschiedene Körperübungen, die durch Erdung und Entspannung deinem autonomen Nervensystem helfen, zurück in die gefühlte Sicherheit zu finden.

Eine einfache Übung, wie ich sie aus der traumasensiblen Körperarbeit kenne, ist zum Beispiel das bewusste Spüren deines Körpers, sitzend auf dem Stuhl, liegend auf dem Boden oder angelehnt im Stehen. Wahrzunehmen, wie der Stuhl, der Boden oder die Wand dich trägt, unterstützt dich, innerlich und muskulär loszulassen.Vielleicht kennst du weitere Übungen, welche dir das Gefühl geben, dass du wieder bei dir angekommen bist oder mehr auf dem Boden landest.

Diese Übungen sind echte Schätze: Schreibe sie auf und stecke die Liste in deinen Instrumentenkoffer.

über die Autorin

Mehr über Tina

In ihren Coachings und Kursen unterstützt Tina Laube Musiker:innen, Selbstzweifel und Auftrittsängste loszulassen, damit sie ihren Beruf gesund und erfüllt ausüben können.

Ihre Schwerpunkte sind Auftrittscoaching, Lösung von bewussten und unbewussten Blockaden sowie nervensystem- & körperorientiertes Instrumentalspiel/Gesang.

Tina Laube studierte Bachelor und Master Musik- und Bewegungspädagogik/Rhythmik mit Schwerpunkt Violine an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien und unterrichtet seit 2023 im Lehrauftrag Rhythmik/EMP an der Hochschule für Musik Dresden.

Sie ist zertifiziert in Traumasensibel Begleiten-TSB® nach Natalie Bürk und aktuell in der Fortbildung PEP® (nach Dr. Michael Bohne - in Fortbildung).

Mehr zu tina

3. Erfolgserlebnisse und Stärken

Schreibe Erfolgserlebnisse aus Konzerten oder Vorspielen auf und formuliere daraus einen positiven Glaubenssatz. Achte dabei auf das Körpergefühl, welches im Kontakt mit diesem positiven Glaubenssatz entsteht. Genauso kannst du Stärken in positive Glaubenssätze umwandeln.

Faszinierend ist, wenn du beim Spielen mit dem Körpergefühl des positiven Glaubenssatzes in Verbindung bist, hat dein Gehirn schon “so viel zu tun”, dass kaum noch Kapazität ist für limitierende Gedanken.

Hier ein Beispiel:

4. Lieblings Musik

Mit welcher Musik fühlst du dich zu Hause? Deine Lieblingsmusik ist dein Wohlfühlort und sie unterstützt dich, Anspannung zu lösen.

Denn dein autonomes Nervensystem wird beim Hören deiner Lieblingsmusik stimuliert, der Körper entspannt sich und kommt wieder in das Gefühl von Sicherheit. Das funktioniert auch mit Lieblingsstellen während eines Konzertes.

5. Fehler = Helfer

Ich habe Fehler lange als etwas Schlechtes bewertet, etwas, was ich in jedem Fall vermeiden wollte. Wenn ich auf meine Kindergarten- und Schulzeit blicke, macht diese Einstellung sehr Sinn, denn in meinem Umfeld wurden Kinder für Fehler offen beschämt. Fehler waren eine echte Gefahr für mich.

Es war umso schöner, als ich als erwachsene Musikerin in einem Kooperationsprojekt mit einer Grundschule das Plakat sah: Fehler = Helfer.

Wie wunderschön ist dieses Anagramm, weist es doch darauf hin, dass in jedem Fehler ein Hinweis für Entwicklung steckt, den wir begrüßen dürfen! Fehler laden uns ein, genauer hinzusehen. Sie tragen echtes Potenzial in sich!

Mein Ressourcenkoffer ist gepackt und deiner?

Es gibt noch viele weitere Ressourcen: Werte, Hobbys, Beziehungen, Rituale und mehr.

Übrigens formulierte ich 2 Monate nach dem Unterricht bei Elias Kim eine vorsichtige Vermutung.

“Ich glaube, ich habe einen wirklich schönen Ton.”

Yes! Und genau so ist es auch. Auch wenn gefühlt alles andere gegen den Baum geht, weiß ich, dass ich einen richtig wunderschönen, obertonreichen Klang habe, den ich jederzeit wieder auspacken kann.

Wenn du dir Unterstützung bei Themen wie Lampenfieber, Probespiel- und Prüfungsvorbereitung, Selbstzweifel, Stress und Belastung im Musikalltag wünschst, dann lade ich dich herzlich ein, mal bei mir vorbeizuschauen.

Mich haben selbst Selbstzweifel, Schmerzen und Auftrittsängste lang begleitet und ich kenne die Belastungen und Herausforderungen von Musikberufen sehr gut.

Auf meiner Webseite erfährst du mehr über meine Angebote und Erfahrungsberichte aus der Arbeit mit mir.

Musikercoaching mit Tina

Und jetzt wünsche ich dir viel Vergnügen beim Packen deines Ressourcenkoffers!

Alles Liebe, Tina

Quellen:

Aline Lapierre, Laurence Heller, "Entwicklungstrauma heilen, Alte Überlebensstrategien lösen, Selbstregulierung und Beziehungsfähigkeit stärken", 2023, 9. Auflage.

Dr. Michael Bohne,"Klopfen gegen Lampenfieber, Sicher vortragen, auftreten, präsentieren", 2023, 8. Auflage.

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Übezeit #21/50

Lesezeit: 4 Minuten

20 Jahre Sommermärchen

Zugegeben, auch als Nicht-Fußballfan, lösen sportliche Großereignisse eine gewisse Faszination bei mir aus. Lassen wir die politischen Dimension an dieser Stelle einmal außen vor. Neben der aktuellen WM jährt sich auch unser “Sommermärchen” zum 20. Mal. Die Mediatheken waren voll mit entsprechenden Dokus. Und wenn ich eins bin - dann Doku-Fan!

Tipps von Jürgen Klinsmann

Super gelungen fand ich die drei-teilige ZDF “Mission Sommermärchen” Doku. Man kann sie immer noch in der Mediathek nachsehen.

Die Tragweite der Besonderheit des “Konzept Klinsmann” war mir damals gar nicht so bewusst. Oder zumindest erinnere ich mich nicht mehr daran. Umso interessanter sind mir beim Anschauen der Dokumentation Parallelen zur Musik aufgefallen. Ein paar davon möchte ich heute mit dir teilen.

1 - Fehler zu Projekten machen

Fehlervermeidendes Spielen hemmt. Nicht nur, dass der musikalische Ausdruck darunter leidet, auch mental kann uns diese Herangehensweise an das Instrumentalspiel blockieren.

Gerade beim Lernen neuer Stücke und Spieltechniken wird nicht alles von Beginn an klappen. Es wäre jedoch ein Trugschluss zu glauben, dass dies nicht zum Lernprozess dazu gehört. Schafft man es den Ärger zu überwinden und zu verstehen, was die Ursache des Fehlers gewesen sein könnte, beginnt man sein Spiel auf eine neue Art und Weise zu begreifen (siehe unten Reflektieren).

Erstelle dir zum Beispiel eine Tabelle, in der du deine “Fehler”-Projekte sammelst und direkt daneben konkrete Strategien und Übungen aufzählst, die dir als Maßnahmen einfallen.

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#50 Torsten

Lesezeit: 4 Minuten

Üben heißt für dich…

Üben heißt für mich Regulation und Organisation.

Die 50. Folge ist endlich online! Zugegeben - bereits seit Montag. Da ich dort aber in Holland bei meinem 51. Gast war, kam ich noch gar nicht dazu, meine Eindrücke zur Jubiläumsfolge mit dir zu teilen.

Das Zitat oben hat mich sehr inspiriert. Es drückt genau das Spannungsverhältnis aus, in dem unser Üben stattfindet.

• sich selbst organisieren können (kurzfristig und langfristig)

• einen Zugang (und Umgang) mit den eigenen Gefühlen entwickeln, die im Übe-Prozess entstehen

Mein Lieblingszitat

„Ich habe lieber einen kleinen Skill, den ich überall einsetzen kann, als hundert Fähigkeiten, die nur in einem Song funktionieren.“

Weniger ist mehr

Torsten ist als Bassist vor allem im Hip Hop unterwegs. Er war Musical Director und Bassist von Samy Deluxe’s MTV Unplugged (große Hörempfehlung), ist seit kurzem Professor für Pop-Bass an der Hochschule in Osnabrück und unterrichtet seine eigene Bass-Community (bassbuddies). Ich habe ihn bei den Proben zur ProSieben Erfolgsshow “Wer stiehlt mir die Show?” getroffen.

Was mich sehr beeindruckt hat, ist seine Fähigkeit Konzepte in Basslinien zu erkennen. Dabei geht es ihm weniger um ein umfangreiches Vokabular, sondern vielmehr darum, gezielt Spieltechniken wirklich zu durchdringen. Sein Anthony Jackson Beispiel verdeutlich das eindrücklich.

Wie möchte ich bassistisch klingen?

Das passt auch wunderbar dazu, dass man beim Zuhören wirklich spüren kann, wie sehr Torstens Üben von einer intrinsischen Lust angetrieben wird, Neues zu entdecken. Wohlwissend, dass dieses Vorgehen natürlich auch seine Übe-Struktur beeinflusst.

Seine Herangehensweise hat mich stark an die des Schweizer Trompeters Lukas Thoeni erinnert. Er beschrieb seinen Weg im Interview als “serielles Üben”.

Hören, hören, hören

Auch die Audiation (nach Edwin Gordon) ist Teil von Torsten Übe-Gedanken.

Der Theorie von Gordon nach soll das Erlernen von Musikinstrumenten analog zum Spracherwerb bei Kindern verlaufen (sprich viel durch Nachahmung). Im Zentrum steht dabei klar das Hören und weniger die ausgeschriebenen Noten.

Dazu passt, dass Torsten eine diatonische Notenschreibweise nutzt, die keine exakten Notenbezeichnungen verwendet sondern die Stufen in Relation zum drunterliegenden Akkord. Das erleichtert nicht nur das Transponieren in andere Tonarten, sondern auch das Erkennen von Mustern und Konzepten.

Mehr zur Audiation

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Übezeit #20/50

Lesezeit: 3 Minuten

Ein neues Thema

Eigentlich hatte für die heutige Ausgabe ein komplett anderes Thema geplant. Seit langem hat es mich dann bei meiner Recherche allerdings in ein Forum, genauer ein Klavier-Forum, verschlagen. Für alle jüngeren hier: Die Foren waren so etwas wie die Kommentarspalten auf Social meiner Internet-Frühzeit. Ich lasse mich gerne korrigieren, aber ich glaube heute weitgehend verlassene Orte.

Jedenfalls führte dieser kleine Exkurs dazu, dass ich mein ursprüngliches Thema über den Haufen warf und mich mit einer anderen Sache beschäftigte:

Technik vs. Musik

In besagtem Klavierforum wurde die Frage diskutiert, inwiefern Technik-Übungen à la Cortot sinnvoll oder gar schädlich sind. Losgelöst von der Gefahr eines realen Aufeinandertreffens wurde leidenschaftlich gestritten und als Fragensteller konnte man verwundert beobachten, welche Dimension die eigene Nachfrage angenommen hat. Aussicht auf Antwort: unwahrscheinlich.

Die Ausgangsfrage (“Eure Erfahrungen mit Cortot & Co.”) rückte in den Hintergrund und Diskussionen zu Brahm’schen Arpeggien und der Frage Technik vs. Musik nahmen Fahrt auf. Einer Unterscheidung, der auch ich im Podcast immer wieder begegne.

Zwei unterschiedliche Auffassungen des Gleichen?

In meinem Gespräch machte Benny Greb deutlich, dass für ihn Üben und Spielen verschieden sind. Das erinnert an die Deliberate Practice Denkweise.

Als ich im letzten Jahr zu Gast bei Theo Plath war, erzählte mir der Solo-Fagottist des HR-Sinfonieorchesters, dass er ein Stück von Anfang an mit dem Ausdruckt übt, den er auch im Konzert erzielen möchte.

Wer hat recht?

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Sollte man Technik und Musik überhaupt trennen?

Es leuchtet ein, dass Technik vs. Musik nicht zwangsläufig synonym mit Üben vs. Musik sein muss.

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Übezeit #19/50

Lesezeit: 5 Minuten

Wie kann man Üben optimal in den Tag integrieren?

In einer idealen Welt sieht ein Tag so aus:

Könnte man einen solch perfekten Tag planen, käme die Frage Wann soll ich eigentlich üben? wahrscheinlich gar nicht auf. Leider sieht allerdings unser Alltag selten so. Also bleibt die Frage:

Wie kann man Üben bestmöglich in den Tag integrieren?

Die Bestandsaufnahme

Gerade wenn Musik dein Hobby ist und du deinen Lebensunterhalt auf andere Art bestreitest, stellt sich dir diese Frage regelmäßig. Meine Lieblingsmethode, um einen Überblick über deine täglichen To Do’s und Verpflichtungen zu bekommen, ist die Zeitinventur.

Zeitinventur

Setze dich mit Papier und Stift an einen ruhigen Ort. Erstelle einen Zeitstrahl mit 24 gleich großen Einheiten. Alternativ kannst du auch ein Tortendiagramm mit 24 Stücken erstellen. Das Diagramm steht für einen typischen Tag in deinem Leben. Fange nun an, deine “Fixkosten” (z.B. Arbeit, Familienzeit, Sport, Schlaf etc.) einzutragen.

Sobald alles eingetragen ist: Wie viel freie Zeit bleibt dir und wo liegt diese? In der Zeitschrift Psychologie Heute stand neulich, dass diese Freizeit bei vielen Menschen selten mehr als drei bis vier Stunden beträgt. Zeit ist also wirklich ein knappes Gut.

Nun springt durch diese Methode nicht automatisch mehr Zeit für dich heraus. Sie zeigt dir allerdings, wo freie Zeitblöcke sind und wann du dein Üben planen kannst.

Möglicherweise hilft es dir, wenn du als Gegenentwurf einen Diagramm eines idealen Tag planst. So kannst du direkt vergleichen, wie sich dein aktueller Status von deinem Wunschbild unterscheidet.

Ich versuche 2-3 Mal im Jahr ein Zeitprotokoll zu erstellen. Darin trage ich minutengenau ein, was ich am Tag alles mache. Meistens im Verlauf einer ganzen Woche. Einmal erstellt kann man dieses Protokoll auch ideal als Grundlage für die Zeitinventur nutzen. Wie das funktioniert, habe ich dir in diesem Übezeit-Tipp zusammengefasst.

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#49 Thorsten

Lesezeit: 4 Minuten

Ressourcen-orientiert üben

Was ist deine Stärke beim Üben?

Was ist deine Superpower auf dem Instrument?

Kannst du diese Frage für dich beantworten? Wenn ja - dann herzlichen Glückwunsch! Falls nicht, ist die heutige Folge vielleicht genau deine Folge ;-)

Ich durfte mit Saxofonist Thorsten Skringer über seinen Übe-Alltag zwischen Herbert Grönemeyer, heavytones und seinem Sax-Camp sprechen. Vor allem hat er berichtet, wie er an seinen musikalischen Stärken arbeitet.

Mein Lieblingszitat

“Wenn man sich andauernd nur um seine Schwächen kümmert, wird man bestenfalls breiter, guter Durchschnitt. Wenn man das Gefühl hat, eine spezielle Stärke zu haben, gibt man am besten Vollgas in genau dieser Stärke."

Seine Stärke finden

Thorsten beschreibt sehr ehrlich, dass er in manchen Bereichen nie „traumwandlerisch sicher“ geworden ist. Er akzeptiert, dass er den Jazz-Klassiker “Giant Steps” seit vielen Jahren nicht mehr übt - einfach, weil er in seinem Berufalltag nicht mehr vorkommt. Statt überall mittelgut zu sein, setzt er voll auf das, was ihn unverwechselbar macht: Sound, Groove, Authentizität, Energie.

Mir geht es manchmal ähnlich beim Üben: Statt mich voll auf das zu fokussieren, was ich kann (und darin noch besser zu werden), ist man allzu häufig damit beschäftigt, an seinen Schwächen zu arbeiten. Das ist natürlich auch wichtig - allerdings besteht auch immer die Gefahr, dass man das verliert, was einen als Spieler*in auszeichnet.

Warm-Up: Longtones + Obertöne

Thorstens täglicher Einstieg ist erstaunlich simpel.

• Longtones auf G1 (gut kombinierbar z.B. mit Standards)

• 2–3 Routine-Obertonübungen

• Fokus auf Sound, Zentrierung und Kontrolle

Dominanten verschärfen

Im Podcast teilt Thorsten eine seiner Lieblingsübungen: Die Vermindert (Diminished) oder Halbton-Ganzton-Skala über Dominanten.

Thorsten spielt im Podcast die Übung am Beispiel von C7 vor. Hier findest du das passende Notenmaterial dazu zum Mitlesen!

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Übezeit #18/50

Lesezeit: 5 Minuten

Gamification beim Üben

Ok, ich mach’s kurz: Ich war nie ein großer Zocker. Meine Karriere begann und endete mit FIFA 1998 - zugegeben ein Klassiker. Natürlich habe ich es hier und da immer wieder mal probiert, aber der Funke zwischen uns wollte nie so recht überspringen. Vielleicht ist das auch ein Grund, warum mich der Gamification-Trend beim Üben bisher noch nie so recht gepackt hat.

Falls es dir ähnlich geht, lass uns zunächst einmal schauen, was wir unter dem Begriff verstehen. Beziehungsweise was gerade nicht: Denn Gamification meint nicht, dass du dein Üben in ein Videospiel verwandelst. Es geht darum, einzelne Spielprinzipien zu nutzen, die Videospiele so mitreißend machen:

• klare Ziele

• unmittelbares Feedback

• sichtbarer Fortschritt

• ein Gefühl von Belohnung

Wenn du also in einem Spiel in das nächste Level aufsteigst, wirst du nicht zufällig motiviert – das ist das Ergebnis eines präzise gestalteten Anreizsystems.

Was die Forschung sagt

Der Musikpädagoge Thomas Nguyen hat 2020 an einer norwegischen Hochschule untersucht, wie Gamification das Üben von 60 Studierenden beeinflusst. Die Experimentalgruppe nutzte die App Habitica – ein Retro-Rollenspiel-basiertes Aufgabenmanagement-Tool, in dem Übeeinheiten als Quests galten, abgeschlossene Songs Erfahrungspunkte einbrachten und die Gruppe gemeinsam gegen Monster kämpfte (ja, wirklich). Die Kontrollgruppe bekam dieselben Aufgaben und dasselbe Lernmaterial – nur ohne Spielelemente.

Das Ergebnis ist aufschlussreich: Die Gamification-Gruppe lernte signifikant mehr Songs auf der Ukulele als die Kontrollgruppe. Bei der reinen Übungszeit in Minuten gab es hingegen keinen messbaren Unterschied. Was durch Spielmechaniken stieg, war also weniger die Quantität des Übens als die Zielorientierung: Die Studierenden arbeiteten fokussierter auf konkrete Ergebnisse hin.

Was durch Spielmechaniken stieg, war also weniger die Quantität des Übens als die Zielorientierung: Die Studierenden arbeiteten fokussierter auf konkrete Ergebnisse hin.

Besonders interessant: Als die Teilnehmenden gefragt wurden, was sie am meisten motiviert hatte, nannten viele nicht die digitalen Belohnungen in der App – sondern einen kleinen goldenen Sticker, den sie sich für ihr Ukulele kaufen konnten. Die greifbare, reale Belohnung schlug die virtuelle.

Wo Gamification funktioniert – und wo nicht

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Teresa Wenhart

Lesezeit: 4 Minuten

Üben mit guter Laune!

Wir Musikerinnen und Musiker sind Weltmeister darin, uns täglich mit unseren Unzulänglichkeiten zu beschäftigen. Doch die moderne Psychologie zeigt uns: Unter Druck und Frust lernt unser Gehirn ziemlich schlecht. Am besten lernen wir, wenn wir neugierig, entspannt und im Flow sind.

Passend zum Mental Health Awareness Monat habe ich dieses Mal mit Dr. Teresa Wenhart gesprochen. Sie ist Psychologin und Cellistin und gilt als Pionierin, schemaorientierte Therapie für Musiker*innen anzupassen.

Mein Lieblingszitat

“Üben verändert sich. Mit Lebensphasen, mit dem Körper, mit dem Kopf. Sich selbst zu erlauben, nicht jeden Tag gleich zu funktionieren - das ist vielleicht der wichtigste Gedanke.
Teresa Wenhart

Warum wir die 7x-Regel brauchen 🧠

Wusstest du, dass unser Gehirn negative Erlebnisse etwa siebenmal stärker abspeichert als positive? Ich dachte bis zu unserem Gespräch, dass es sich dabei um eine urban legend hält. Evolutionär war das allerdings überlebenswichtig (wir mussten uns schließlich merken, wo der Säbelzahntiger wohnt).

In der Übe-Kabine führt das aber dazu, dass ein einziger verpatzter Durchlauf alle deine kleinen Erfolge des Tages einfach überschreiben kann.

„Negative Erfahrungen speichern wir ungefähr siebenmal stärker ab als positive.“
Teresa Wenhart

Und plötzlich versteht man, warum ein einziges misslungenes Konzert drei gute Auftritte überschatten kann. Oder warum wir nach einer guten Übesession trotzdem denken: „Ja, aber die eine Stelle war katastrophal.“

Teresa erzählt im Gespräch auch von einem einfachen, aber wissenschaftlich gut belegten Werkzeug: dem Dankbarkeitstagebuch.

Darin kannst du dir positive Erlebnisse (oder positives Feedback an dich selbst) und Dinge, für die “du dankbar sein könntest” notieren. Ein Ressourcenheft für schlechte Tage, wenn du so möchtest.

Und was passiert nun mit den Fehlern?

Keinesfalls sollen die Fehler nun einfach ignoriert werden. Was hältst du von dem Gedanken, aus ihnen zukünftig Projekte zu machen? Also vom bloßen Benennen einer Schwachstelle, in einen konkreten Aktionsplan zu kommen.

Aufhören, wenn es am schönsten ist

“Der Grundsatz im Coaching ist: positive Emotionen und Ressourcen stärken, weil das Energie freisetzt.

Konkret: Wenn man merkt, dass man beim Üben nur noch frustriert ist, sollte man lieber aufhören. Wer im Flow ist und gut übt, sollte möglichst auch in diesem positiven Zustand aufhören.”
Teresa Wenhart

Gar nicht so leicht: Aufhören, wenn es am schönsten ist. Aber ähnlich wie beim Dankbarkeitstagebuch geht es auch hier darum, unsere positiven Ressourcen zu stärken. Üben wir in den Frust hinein, wird sich unser Gehirn auch diese negative Emotion speichern und mit der schwierigen Stelle verbinden.

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Übezeit #17/50

Lesezeit: 6 Minuten

Was dein Kopf zum Gesunden Musizieren braucht

Der Mai ist Mental Health Awareness Monat. Seit 2021 versuche ich im “Wie übt eigentlich..?”-Podcast diesem Thema einen besonderen Platz einzuräumen - nicht nur im Mai, aber gerade auch dann.

Laut einer Studie der schwedischen Record Union aus dem Jahr 2019 geben 73% der befragten Musikerinnen und Musiker an, negative Gefühle wie Angst oder Stress in Bezug auf ihre Musik erfahren zu haben. Gleichzeitig kann nur 1 von 10 darüber mit Bandkolleg*innen sprechen. Das ist eine erschreckende Zahl – und gleichzeitig ein Auftrag.

Für diese Ausgabe habe ich mit dem Psychologen und angehenden Psychotherapeuten Tobias Dolle sowie mit Prof. Dr. Daniel Scholz, Professor für Musizierendengesundheit an der Musikhochschule Lübeck, gesprochen. Dazu kommen Impulse aus dem what-is-practice-Archiv. Herausgekommen sind fünf sehr konkrete Tipps für ein mental gesünderes Musizieren.

1 - Einen freien Tag pro Woche

Es klingt banal, und doch ist es vielleicht der wirkungsvollste Tipp in dieser Liste: ein Tag pro Woche ohne Instrument, ohne Proben, ohne Auftritte.

„Extrem wichtig: Ich versuche das auch, allen Studierenden einzubläuen, dass sie ihr Zeitmanagement so hinkriegen müssen, dass es einen freien Tag gibt. Das muss ja nicht Samstag oder Sonntag sein. Es kann auch unter der Woche sein. Es muss auf jeden Fall ein Ausgleich und ein gewisser Abstand zum Instrument geschaffen werden. Das ist ein extrem wichtiger Baustein für Konsolidierung, also Verfestigung von Gedächtnisspuren."

— Prof. Dr. Daniel Scholz

Dieser Abstand ist also nicht nur gut für die Seele – er ist auch neurobiologisch sinnvoll. Wer regelmäßig Pause macht, festigt Gelerntes. Wer immer weiter übt, riskiert das Gegenteil.

Trag dir zum Beispiel den freien Tag wie einen Konzert in den Kalender ein. Das kann beim Strukturieren und Pausen-Einhalten helfen.

2 - Du bist nicht dein Instrument

Wer gut gespielt hat, hat gute Laune. Wer einen schlechten Übetag hatte, das merkt es das Umfeld sofort. Kommt dir das auch bekannt vor?

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Übezeit #16/50

Lesezeit: 4 Minuten

Was ist Selbstwirksamkeit – und warum spielt sie beim Musizieren eine so große Rolle?

Wann fühlst du dich selbstwirksam beim Üben?*

Selbstwirksamkeit ist der Glaube daran, dass du eine bestimmte Aufgabe in diesem Moment bewältigen kannst. Nicht generell, nicht irgendwann – sondern jetzt, in dieser Situation. Die Forschung zeigt, dass dieser Glaube einer der stärksten Vorhersager für musikalischen Erfolg ist: Er beeinflusst, wie du dich vorbereitest, wie du auf Fehler reagierst, und wie du dich auf der Bühne verhältst.

Das Wichtige daran: Selbstwirksamkeit lässt sich gezielt stärken. Und zwar nicht nur durch besseres Üben – sondern durch bestimmte Arten, wie du übst, wie du dich selbst wahrnimmst, und wie du mit Nervosität umgehst.

Eine australische Studie mit über 300 Musiklehrenden hat untersucht, welche Strategien im Unterricht zu Einsatz kommen und, welche tatsächlich dabei helfen, dieses Selbstvertrauen aufzubauen. Drei davon wollen wir heute genauer anschauen – und direkt in die Praxis übersetzen.

*Falls du für dich schon eine Antwort darauf gefunden hast, freue ich mich riesig über eine kurze E-Mail mit deinen Gedanken von dir!

Strategie 1: Erfolgserlebnisse bewusst einbauen

Die wichtigste Quelle für Selbstwirksamkeit sind eigene Erfahrungen des Gelingens. Nicht etwa das vage Gefühl, dass es „irgendwie gut war" – sondern konkrete, selbst wahrgenommene Momente, in denen du denkst: Das hat funktioniert. Das kann ich.

Das klingt einfach, hat aber eine wichtige Konsequenz: Wenn sie eintreten, musst du sie aktiv wahrnehmen.

Was das für dein Üben bedeutet:

Übe regelmäßig unter Auftritts-ähnlichen Bedingungen – nicht nur technisch, sondern psychologisch.

• Spiel dein Stück durch, ohne zu stoppen.

• Spiel es für jemanden, auch wenn es nur eine Person ist.

• Spiel es in einem anderen Raum.

Der Punkt ist nicht, dich zu stressen – sondern deinem Nervensystem beizubringen, dass du auch unter ungewohnten Bedingungen spielen kannst. Jedes Mal, das du das erlebst, ist ein echter Baustein für dein Selbstvertrauen.

Wichtig: Diese Probeauftritte sollten so gestaltet sein, dass du dabei erfolgreich bist. Wähle also einen Schwierigkeitsgrad, den du wirklich meisterst – und steigere ihn schrittweise. Ein schwacher Probeauftritt unter zu viel Druck hilft weniger als fünf solide Durchläufe in einer halbwegs vertrauten Situation.

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Übezeit #15/50

Lesezeit: 4 Minuten

Weniger denken, besser spielen?!

Eine Studie aus den Niederlanden hat sich genau damit beschäftigt: Was passiert, wenn wir beim Üben nicht an ihren Körper denken – sondern an den Klang, den wir erzeugen wollen?

Was war die Frage?

Susan Williams, die übrigens auch bereits Gast im Podcast war, Joram van Ketel und Rebecca Schaefer von der Universität Leiden und dem Königlichen Konservatorium Den Haag haben 2023 eine Studie veröffentlicht, die sich mit dem sogenannten externen Fokus beim Musizieren beschäftigt.

Der Begriff kommt ursprünglich aus der Sportwissenschaft. Die Kernidee: Wenn du beim Golfen daran denkst, wo der Ball hinrollen soll – statt daran, wie du deinen Arm schwingst – schlägst du besser. Für Musiker übersetzt sich das so: Fokussiere dich auf den Klang, den du gleich spielen willst, nicht auf die Bewegung, die ihn erzeugt.

Das Gegenteil – der interne Fokus – wäre, an Lippenspannung, Fingerdruck, Atemtechnik oder Körperhaltung zu denken. Und genau das, so die Sportwissenschaft seit rund 25 Jahren, bremst uns aus.

Was haben sie gemacht?

Sieben Studierende des Königlichen Konservatoriums – alle spielten Naturtrompete – nahmen an der Studie teil. Sie lernten kurze, unbekannte Barockstücke in zwei Phasen:

Phase 1 (Kontrolle): Drei Tage lang, dreimal täglich fünf Minuten, mit der eigenen, gewohnten Übe-Methode.

Phase 2 (Intervention, acht Wochen später): Gleiche Struktur – aber diesmal mit dem sogenannten Audiation Practice Tool (APT). Dieses Tool wurde speziell entwickelt, um externen Fokus zu trainieren. Es besteht aus vier Schritten:

1. Vorstellen: Die Phrase so detailreich wie möglich innerlich hören – Klangfarbe, Lautstärke, Artikulation, Übergänge.

2. Singen und gestikulieren: Die Phrase laut singen und dabei dramatisch mitbewegen.

3. Spielen: Die Phrase auf dem Instrument spielen.

4. Variieren: Die Phrase nochmal spielen – mit einem völlig anderen Charakter, einer anderen Emotion.

In allen vier Schritten ist der Fokus nach außen gerichtet: auf die Musik, auf den Klang, auf den Ausdruck – nicht auf den Körper.

Was kam dabei raus?

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Übezeit #14/50

Lesezeit: 7 Minuten

Don’t believe the hype (and the drama)

Ich bin kein großer Fußballfan - das sei an dieser Stelle vorausgeschickt. Trotzdem spucken mir die Social Media Algorithmen hier und da immer wieder ein paar Videos aus, bei denen ich hängen bleibe. So auch dieses hier neulich:

Meine liebste Stelle des Bayern-Coach ist, als er sagt:

“Don’t believe the hype and don’t believe the drama. (…) It's a real passion of mine not to care about the noise.”

Von “Ich weiß nicht, dass ich nicht weiß” zum Autopilot

Um zu verstehen, wie uns das beim Üben hilft, lass ich mich einmal etwas ausholen.

In der Lernpsychologie gibt es ein Modell: die vier Stufen der Kompetenz. Es beschreibt, wie wir uns von völliger Unwissenheit bis zur mühelosen Beherrschung bewegen – und warum dieser Weg so viel holpriger ist, als wir erwarten.

Stufe 1: Unbewusste Inkompetenz

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#48 V. Chassot

Lesezeit: 4 Minuten

Üben heißt Freiheit

Viviane Chassot ist Akkordeonistin aus Basel, Preisträgerin des Opus Klassik und des Schweizer Musikpreises, und eine echte Pionierin ihres Instruments. Aber darum geht es mir in diesem Newsletter eigentlich gar nicht. Ich möchte euch viel eher ihren einzigartigen Blick auf das Üben und “letztlich das Leben” vorstellen.

Mein Lieblingszitat

“Üben ist für mich Leben letztlich und beinhaltet eigentlich alles, was auch am Tag passiert.“
Viviane Chassot

Üben heißt Leben

Viviane beschreibt ihren perfekten Übetag nicht als Block von x Stunden am Instrument. Für sie beinhaltet Üben alles, was am Tag passiert:

• in die Natur gehen

• etwas Gutes kochen

• eine Freundin zum Kaffee treffen

• spazieren gehen.

Das klingt erstmal fast zu entspannt. Allerdings wissen wir ja, dass es gerade die Pausen und Auszeiten sind, in denen unser Körper das Geübte weiter verarbeitet. Sich “dem Tag hingeben”, wie Viviane so schön gesagt hat, ist selbstverständlich Luxus - aber wann immer es möglich ist, auch eine der schönsten Arten sich mit seinem Instrument zu beschäftigen.

Und ihre Zeitgrenze? Die ist nicht durch eine Uhr definiert, sondern durch das Gefühl:

„Wenn ich an den Punkt komme, an dem ich merke: Jetzt bin ich satt. Jetzt kann ich nichts mehr aufnehmen – das fühlt sich erfüllt an.“

Viviane Chassot

Vivianes Übung

Stimmführung sichtbar machen: Töne verlängern für mehr Tiefe und Transparenz

Worum geht es?

Viviane hat im Podcast am Beispiel eines Bach-Präludiums gezeigt, wie man durch gezieltes Verlängern einzelner Töne eine melodische Linie in den Vordergrund hebt – und damit aus einer gleichmäßigen Klangfläche eine lebendige, mehrdimensionale Musik macht. Die Übung funktioniert auf jedem Instrument, auf dem du Töne in ihrer Länge variieren kannst.

So geht's:

1. Nimm ein Stück oder eine Passage, die du gerade übst – am besten etwas mit mehreren gleichzeitigen Stimmen oder Begleitfiguren.

2. Spiele die Passage zunächst so, wie sie notiert ist – gleichmäßig, ohne besondere Gewichtung. Hör dir genau zu.

3. Entscheide dann: Welche Töne sind die Leittöne? Wo liegt die eigentliche Melodie-Linie, die du hören möchtest?

4. Spiele die Passage erneut – und verlängere diesmal genau diese Leittöne bewusst. Lass sie etwas länger klingen als notiert, während die anderen Stimmen kürzer bleiben.

5. Vergleiche beide Versionen. Was hat sich verändert? Wo klingt die Musik plötzlich tiefer, lebendiger, sprechender?

Worauf achten?

Die anderen Stimmen sollen nicht verstummen – sie sollen transparent bleiben. Es geht nicht um laut und leise, sondern um lang und kurz. Das ist der entscheidende Unterschied, den Viviane Chassot betont: Mehrdimensionalität entsteht beim Akkordeon über Artikulation, nicht über Dynamik allein.

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“Wie übt eigentlich..?” Playlist

Die Musik-Empfehlungen von Lukas Thoeni findest du natürlich auf meiner “Wie übt eigentlich..?” Playlist. Plus: Das was mein Gast gerade hört und ihn musikalisch geprägt hat.

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Das Interview

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Übezeit #13/50

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Können Podcast beim Üben helfen?

Seit fast auf den Tag genau fünf Jahren gibt es nun den Podcast “Wie übt eigentlich..?”.
Am 14. April 2021 erschien die erste Folge und seitdem haben 47 Musiker*innen und viele weitere Expert*innen aus einem ihrer persönlichsten Bereiche berichtet: Üben. Man könnte an dieser Stelle ein wenig nostalgisch in der Vergangenheit schwelgen (kommt vielleicht noch) - ich fand es jedoch viel spannender zum Jubiläum die Frage zu recherchieren:

Können Podcast beim Üben helfen?

Genau aus diesem Grund bin ich dieses Wochenende in Salzburg. Dort findet das Symposium “Beyond the Score” der Österreichischen Gesellschaft für Musik und Medizin (ÖGfMM) statt. Und ich darf zu genau dieser Frage ein Poster-Vortrag präsentieren.

Was Hörer*innen sagen

“Verschiedene Übemethoden und mehr Gelassenheit (jeder übt anders, ich vergleiche mich weniger…” (2025)

“Realisieren, dass selbst Profi-Musiker mit dem Üben struggeln und manchmal keine Motivation finden.” (2025)

“Ich habe begonnen ein Übejournal zu führen, was mir schon sehr weitergeholfen hat.” (2024)

Was die Forschung sagt

Untersuchungen und Studien zu Podcasts gibt es vor allem im Sprachenlernbereich. Dort werden sie als motivationsfördernde und lernzeitflexible Werkzeuge beschrieben. Bisher gibt es allerdings nur wenige Studien im musikalischen Bereich. Ihr Übertrag auf die Instrumentalpädagogik bleibt also weitgehend eine Forschungslücke - insbesondere im Bereich vertiefender Expertengespräche.

Was wir (trotzdem) mitnehmen können

Gerade in der Musik hängt das Weiterkommen auf dem Instrument von mehr Faktoren ab, als nur unserer Zeit im Übe-Raum. Effiziente Übe-Techniken, das Formulieren und Verfolgen konkreter Ziele sowie unsere Fähigkeit unser eigenes Üben kritisch zu reflektieren sind gleichberechtigt. Gerade hier können uns externe Ressourcen wie Podcasts, Videos und natürlich Gespräche mit anderen Musiker*innen besonders unterstützen.

“Wie übt eigentlich..?” möchte genau so eine Ressource sein. Als ich den Podcast angefangen habe, hatte ich immer das Gefühl, dass zwar alle Musiker*innen in meinem Umfeld üben, sich aber fast niemand darüber austauscht. Die Gründe dafür kann ich rückblickend heute nur mutmaßen, allerdings haben mir die zahlreichen Gespräche seitdem gezeigt, wie sehr man selbst von den Ideen, Methoden und Konzepte der Interview-Gäste profitiert. Ich hoffe, dass es dir ähnlich geht.

Ein bisschen Werbung in eigener Sache

Die Vorbereitung auf die vielen Gespräche mit anderen Musiker*innen, die Interviews und natürlich der Austausch mit Wissenschaftler*innen sind in meine Übeplan-Vorlage geflossen. Dort habe ich ein Gerüst für einen 4-Wochen-Übeplan erstellt, das du selbst immer wieder neu für dich nutzen kannst. Selbstverständlich mit Reflexions- und Monitormöglichkeiten. Du findest die Vorlage hier:

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PPS: Und was hat Mozart damit jetzt zu tun?

In Salzburg kommt man nicht an Mozart vorbei. Beim Spazieren durch die Altstadt kam mir die Frage in den Kopf:

Wie hat Mozart eigentlich geübt?

Ich melde mich, sobald ich dazu Neuigkeiten habe… ;)

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Übezeit 🐣

Lesezeit: 7 Minuten

Tipps, die immer gelten

heute ist Karfreitag – ein Tag zum Innehalten und Verschnaufen. Ausnahmsweise gibt es heute keinen neuen Übe-Tipp im gewohnten Format. Warum das so ist und was sich hinter den Kulissen gerade tut, erzähle ich dir nächste Woche ausführlich.

Doch keine Sorge: Damit deine Übezeit über die Feiertage nicht zu kurz kommt, habe ich tief im Archiv gegraben. Passend zum Osterfest öffne ich für dich zwei meiner absoluten Lieblingsartikel, die normalerweise exklusiv für Mitglieder sind.

Meine Empfehlungen für deine Ostertage:

• Warum du nicht schneller spielen kannst - sind wir ehrlich, das ist doch das, was wir wirklich üben wollen

• Technik mit Musik üben - hier zeige ich dir, wie du an konkreten Musikstücken technische Fertigkeiten verbessern kannst

Ich wünsche dir und deinen Liebsten schöne und erholsame Ostertage!

Wenn du Teil der “Wie übt eigentlich..?” Community werden und dein Üben nachhaltig verbessern möchtest, dann freue ich mich, dich im Backstage oder Mitmach-Bereich zu begrüßen. Alle Informationen dazu findest du hier:

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Neue Folge am Montag

Und keine Angst, die Osterpause gilt nur heute. Am Montag erscheint bereits die nächste Folge mit Marvin Frey! Ich freue mich, wenn wir uns dort wieder hören!

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Übezeit #12/50

Lesezeit: 7 Minuten

Wiederholen bis es klappt…

Was ist eigentlich das Problem mit “einfach wiederholen”?

Wiederholen bis es klappt - so oder so ähnlich lautet wahrscheinlich das bekannteste Übe-Mantra. Und ja, genauso habe ich auch lange Zeit geübt. Klingt schließlich logisch, oder?

Das Problem dahinter

Das Üben in langen, homogenen Blöcken – in der Wissenschaft spricht man von Blocked Practice – fühlt sich gut an. Ernsthaft. Du spielst eine Tonleiter zwanzigmal. Beim zwanzigsten Mal läuft sie flüssig. Das Gehirn meldet: Erledigt.

Das Gegenteil davon heißt Interleaving – auf Deutsch etwa: verschachteltes oder gemischtes Üben. Statt alles von einer Kategorie zu üben, bevor du zur nächsten gehst (AAABBBCCC), mischst du die Inhalte durch (ABCACBCAB). Unbequemer. Langsamer. Aber langfristig erheblich wirksamer.

„Interleaving facilitates the differentiation and classification of novel exemplars – as opposed to blocking, which promotes the detection of similarities within a category."— Wong, Low, Kang & Lim (2020), Journal of Research in Music Education

Ein Experiment mit Klarinettist*innen– und was es für alle bedeutet

Die Studie aus dem Jahr 2020, über die ich gestolpert bin, ist eigentlich die bislang direkteste Untersuchung dieser Frage im musikalischen Bereich. 71 Teilnehmerinnen und Teilnehmer mit bis zu vier Jahren Musikerfahrung hörten Klavierwerke von zwölf verschiedenen Komponisten – sechs davon im Block, sechs in gemischter Reihenfolge. Danach sollten sie neue Werke der gleichen Komponisten zuordnen.

89 % der Teilnehmenden glaubten, Blocked Practice sei gleich gut oder besser als Interleaving – obwohl 65 % von ihnen objektiv mehr durch das verschachtelte Lernen profitiert hatten. Diese Lücke zwischen Gefühl und Realität ist der vielleicht wichtigste Befund der ganzen Studie.

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Übezeit #11/50

Lesezeit: 4 Minuten

Die Nacht danach

Ich erinnere mich noch gut an eine Übe-Session vor ein paar Jahren, die mich wirklich frustriert hat. Immer wieder dieselbe Stelle. Immer wieder derselbe Hänger. Nach einer Stunde hatte ich keine Energie mehr – und ehrlich gesagt auch keine Lust. Ich hab meine Trompete weggelegt, bin ins Bett gegangen und dachte: Morgen nochmal von vorne.

Was dann passiert ist, kennst du sicher auch: Am nächsten Morgen klang die Stelle plötzlich besser. Nicht perfekt – aber irgendwie runder. Irgendwie gesetzter.

Ich hab das lange Zeit als glücklichen Zufall abgetan. Oder als eine Art Selbstbetrug: Vielleicht hatte ich mich nur an den Fehler gewöhnt. Vielleicht war die Erwartung am nächsten Tag einfach geringer.

Aber dann bin ich auf eine Formulierung gestoßen, die mich nicht mehr losgelassen hat.

Was da wirklich passiert

Der Neurowissenschaftler Matthew Walker schreibt in seinem Buch Why We Sleep sinngemäß:

„Der Schlaf ist keine Pause vom Lernen – er ist sein heimlicher Höhepunkt."

Genauer gesagt: Im Schlaf – besonders im sogenannten REM-Schlaf, der überwiegend in der zweiten Nachthälfte auftritt – reaktiviert das Gehirn die motorischen Sequenzen, die du tagsüber geübt hast. Es sortiert, verdichtet, stabilisiert. In den Neurowissenschaften geht man aktuell davon aus, dass in dieser Phase unnötige temporäre Verbindungen zwischen Neuronen durchtrennt werden, um Bewegungen effizienter zu gestalten.

Das klingt fast zu schön, um wahr zu sein…

Die Werkstatt, die du nie siehst

Stell dir dein Gehirn als eine Werkstatt vor, die in zwei Schichten arbeitet.

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Übezeit #10/50

Lesezeit: 4 Minuten

Freiheit kommt von innen

Kinga Głyk ist 28 Jahre alt, kommt aus Polen, und wird bereits seit einiger Zeit als eine der aufregendsten Bassistinnen der Welt gefeiert. Rick Beato, Gitarrist und erfolgreicher YouTuber hat sie kürzlich für ein ausführliches Interview in sein Studio eingeladen.

Ich habe das Gespräch neulich entdeckt und fasziniert verfolgt, was Kinga über ihr Üben berichtet hat. Heute möchte ich dir drei konkrete Ideen aus diesem Interview zeigen, die du sofort in dein Üben integrieren kannst.

„I'm not afraid to say that I learn — and to see myself making progress."
Kinga Głyk

Früher dachte ich, Üben sei ausschließlich das Abarbeiten von Fehlern. Doch dieser eine Satz aus dem Interview hat den Kern dessen getroffen, was ich in fast fünf Jahren “Wie übt eigentlich..?”-Gesprächen gelernt habe: Weg von einer starren Kontrolle und hin zum spielerischen Entdeckergeist.

Jedes Gespräch ist wie ein Blick in einen fremden Spiegel, in dem man plötzlich die eigenen blinden Flecken erkennt. Es ist der Mut, die eigene Entwicklung wie ein spannendes Experiment zu beobachten, dessen Ausgang man selbst noch nicht kennt.

Ich weiß es noch nicht. Und das ist okay.

Kinga erzählt, dass sie lange unter dem Druck stand, als „gut" zu gelten – und deshalb Wissenslücken versteckte statt anging. Heute sieht sie das anders. Sie lernt Harmonielehre wieder von den Basics beginnend. Sie übt Griffbrettgeographie wie ein Anfänger. Sie benutzt ein Metronom anders als früher. Und genau das, sagt sie, macht sie besser.

Tipp #1 - Mindset

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Übezeit #9/50

Lesezeit: 3 Minuten

Aller guten Dinge sind drei

Drei ist einfach eine magische Zahl:

• Der perfekte Eisbecher besteht aus drei Kugeln.

• In Märchen hat man meistens genau drei Wünsche frei.

• Diese Aufzählung besteht aus drei Argumenten.

Ich denke, der Punkte wurde klar?! Warum sollte es beim Üben anders sein…

Die Übe-”Rule of Three”

Harald Jørgensen ist ein norwegischer Musikpädagoge und Bildungsforscher, der vor allem für seine Arbeit in der Hochschul-Ausbildung bekannt geworden ist. Er beschreibt, dass sich Üben in drei Phasen unterteilen lässt:

• Planen

• Umsetzen

• Auswerten

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Übezeit #8/50

Lesezeit: 3 Minuten

Magic Three

In der aktuellen Podcast-Folge erzählte mir der Schweizer Trompeter Lukas Thoeni, dass er hier und da einen besonderen Trick nutzt, um sich beim Üben zu motivieren:

“Etwas, was ich sowohl beim Unterrichten als auch in meinem eigenen Üben integriert habe (wenn ich etwas Technisches übe), dass ich mich vom Mindset her ganz ähnlich aufstellen möchte, wie wenn ich Match-Darts spiele. Nur eben gegen mich.”

Lukas Thoeni

Maximale Konzentration üben

Ich weiß nicht, wie es dir geht, aber so ganz verstehe ich den aktuellen Hype um den Darts-Sport nicht. Trotzdem: Ein Match selbst spielen, braucht bei mir nicht viel Überzeugungsarbeit. Was dabei besonders auffällt: Im Moment der drei Würfe ist man ganz bei sich.

Man schließt die Augen, visualisiert das Ziel und stellt sich vor, wie der eigene Pfeil gleich das gewünschte Feld auf der Scheibe trifft. Einatmen. Volle Konzentration und dann gleitet der Pfeil förmlich aus der Hand. Bullseye. Noch zwei Pfeile.

Nach den drei Würfen: Pause. Man geht zur Scheibe, sammelt die Pfeile auf und reflektiert seinen Zug:

• Was muss ich bei den nächsten Wurf verändern?

• Was war bereits gut?

Diese Herangehensweise lässt sich hervorragend auch auf das Üben übertragen.

4×3 mit Pause

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#47 Lukas Thoeni

Lesezeit: 4 Minuten

Die Leichtigkeit des SeinsÜbens

Lukas Thoeni und ich kennen uns noch aus unserer Zeit an der Jazzschule Bern - der Hochschule der Künste (HKB). Als ich dort studiert habe, hat Lukas bereits unseren Lehrer Bert Joris vertreten - wenn dieser einmal nicht konnte. Sein Spiel fand ich schon immer sehr faszinierend - umso mehr hat es mich gefreut, als er sofort zu einem Interview zugestimmt hat.

Mein Lieblingszitat

“Wenn ich Chaos zulasse, habe ich mehr Kontrolle über meinen Fokus.”
Lukas Thoeni

⭐️ Die Leitstern-Idee

Für mich einer der spannendsten Aspekte in unserem Gespräch:

Lukas räumt mit dem typischen „ich muss heute Finger-Zunge-Flexibility-Scales-Arpeggios-alles-üben” auf: Für ihn ist das irgendwann wie ein überfülltes Buffet – du nimmst von allem einen Löffel, aber richtig satt wird’s nie. Stattdessen: ein Ziel, viele Inhalte – aber alles unter derselben Überschrift: Es muss leicht sein - sein Leitstern.

Zulassen statt permanent bewerten

Er beschreibt einen Aha-Moment (bei einer Liveaufnahme mit Fieber), wo der innere Kritiker schlicht keine Energie mehr bekam – und plötzlich wurde sein Spiel freier. Dieses „Zulassen“ ist für ihn nicht gleichbedeutend „Gleichgültigkeit“, sondern befreiende Präzision: weniger Selbst-Judgement → mehr Musikalität. 

🎯 Üben wir ein Darts-Spieler

Drei Pfeile = drei hochfokussierte Versuche, kurze Pause, nächste Runde.

Damit kommen automatisch Pausen und Reflexionsgelegenheiten in dein Üben. Hier im Newsletter Übezeit habe ich dazu bereits über die dazugehörige Studie gesprochen, die auch Lukas auf diese Idee gebracht hat.

Die 10-Sekunden Regel

Aus meiner Vorbereitung

Lukas war bereits zwei Mal Gast in der SRF- Sendung Jazz Collection von Jodok Hess. Darin ging es, wie könnte es anders sein, natürlich ebenfalls um Trompeter. Die älteren Folgen der Jazz Collection können auch hier in Deutschland angehört werden:

• Lukas Thoeni spricht mit Jodok Hess über Till Brönnner

• Lukas Thoeni spricht mit Jodok Hess über Miles Davis

Als Jazz Musiker*in lohnt sich aber ausdrücklich auch ein Blick auf die gesamte Reihe. In der aktuellsten Folge geht es um die Jazz-Sängerin Gretchen Parlato.

Zur SRF Jazz-Collection

Auf Instagram gibt Jodok Hess einen exklusiven Blick hinter die Kulissen der Sendung und informiert natürlich regelmäßig über neue Folgen.

Instagram - Jodok Hess

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“Wie übt eigentlich..?” Playlist

Die Musik-Empfehlungen von Lukas Thoeni findest du natürlich auf meiner “Wie übt eigentlich..?” Playlist. Plus: Das was mein Gast gerade hört und ihn musikalisch geprägt hat.

Zur Folge

Das Interview

Hier kannst du dir das Interview sowohl auf Apple Podcast, Spotify oder YouTube anhören! Viel Spaß!

Zur Podcast-Folge 🎧

Zum Nachlesen

Alle Interviews kannst du auch in Ruhe jederzeit nachlesen. Schau dazu einfach auf meinem Blog what-is-practice.de vorbei!

Interview lesen

Bonus

Lukas zitiert im Gespräch zwei Studien. Freundlicherweise hat er mir die Quellen dazu jeweils geteilt:

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Übezeit #7/50

Lesezeit: 6 Minuten

Damit Anfangen leichter wird

“The resistance is real.”

In einer meiner liebsten Musik-Vlog Folgen erzählt Saxofonist Bob Reynolds darüber, wie schwer es im fällt, mit dem Üben überhaupt anzufangen. Als ich das Video zum ersten Mal gesehen hab, war es, als fiele mir eine LKW-Ladung mit Schuldgefühlen von den Schultern. Schließlich dachte ich bis dahin, ich sei eine Ausnahme.

Was ich daraus gelernt habe

Nun ist die Tatsache, dass es anderen genauso geht, weder ein Rezept noch eine Garantie, dass es in Zukunft leichter wird. Aber es hat mir zumindest geholfen besser mit Unsicherheit und Selbstzweifeln umzugehen. Denn: Was schwerfällt ist Anfangen - einmal am Instrument, empfinden die meisten von uns Freunde am Spielen.

Eine Studie

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Übezeit #6/50

Lesezeit: 6 Minuten

Anmerkungen zum Langsamen Üben

Aus der Perspektive eines Paukers

von Arend Weitzel

Das Langsame Üben ist der Klassiker unter den Hilfsmitteln, die dazu dienen sollen, uns das Erlernen und Üben schwieriger oder herausfordernder Passagen leichter zu machen. Aber was genau passiert denn, wenn wir das Tempo reduzieren? Und ist diese Methode alternativlos?

Wenn wir beim Spielen das Tempo reduzieren, wirkt sich dies unmittelbar auf unsere Bewegungen aus.

Denn Musizieren ist ohne Bewegung undenkbar. Ob kleine, große, schnelle, langsame Bewegungen, ob Bewegungen der oberen oder unteren Extremitäten, oder Bewegungen die im Innernen unseres Körpers stattfinden (z.B. die Atmung): Bewegungen der unterschiedlichsten Art sind immer wesentlicher Bestandteil des Musikmachens.

Ein besonders interessanter Aspekt beim Thema Bewegung ist der Faktor Zeit. Musikalisch ausgedrückt: der Rhythmus bzw. das Timing unserer Bewegung und folgerichtig unseres Musizierens.

Arend Weitzel

Arend Weitzel ist seit 1995 1. Solopauker der Bochumer Symphoniker. Er studierte in Stuttgart, Hannover und Berlin und musizierte als Pauker und Schlagzeuger bereits mit Orchestern wie dem SWR-Sinfonieorchester Stuttgart, den Stuttgarter Philharmonikern, dem Sinfonieorchester des Hessischen Rundfunks, dem Gewandhausorchester Leipzig, den Berliner Philharmonikern, dem Orchestre Philharmonique Royal de Liège, den Bamberger Symphonikern und vielen anderen.

Neben seiner täglichen Arbeit als Pauker beschäftigt er sich seit seinem Studium intensiv mit der Entwicklung methodischer Literatur für sein Instrument, die ihn international bekannt gemacht hat und vielerorts als Standardliteratur gilt.
Bei der Entstehung seiner zahlreichen Veröffentlichungen macht er sich nicht nur seine Expertise als Orchestermusiker zunutze. Auch seine über viele Jahre gewonnenen Erfahrungen und Kenntnisse als semiprofessioneller Tangolehrer, die Beschäftigung mit Aikido, Dispokinesis, Alexander-Technik, der Franklin-Methode sowie das Musizieren als Hobby-Hornist fließen direkt oder indirekt in seine pädagogische Arbeit ein. Arend Weitzels besonderes Verständnis für Bewegungsabläufe prägt daher seine Unterrichtskonzepte, die ihn zu einem gefragten Lehrer im In- und Ausland werden ließen.

Zu Arends Webseite

Vom Uhrpendel zum Gehen: Die Magie des natürlichen Flusses

Grundsätzlich kann gesagt werden, dass für rhythmische Gleichmäßigkeit und Präzision jene Bewegungsabläufe besonders gut geeignet sind, die sich möglichst gleich- und regelmäßig wiederholen.

Typisches Beispiel ist in diesem Zusammenhang das Uhrpendel: So ein Uhrpendel ist vollkommen unmusikalisch und hat auch keine Ahnung von Rhythmus oder Timing. Aufgrund seiner Bauweise kann es genau eine Sache wirklich gut: von einer Seite zur anderen schwingen. Und weil dieses Hin- und Herschwingen so wunderbar gleichmäßig geschieht, kann das Uhrpendel ein grandios regelmäßiges Uhrticken erzeugen.

Aber noch ein anderes Beispiel ist uns eigentlich buchstäblich geläufig: das menschliche Gehen.
Im Normalfall genügt die Intention von A nach B gelangen zu wollen, um unsere Beine dazu zu bringen in beeindruckend rhythmischem Gleichmaß die Schritte zu setzen. Natürlich immer vorausgesetzt, dass wir nicht zwischendurch bemerken, dass wir uns beeilen müssen den Bus noch zu kriegen, o.ä...

Die Gleichmäßigkeit bezieht sich hier sowohl auf die Schrittgröße als auch auf die Geschwindigkeit. Und noch etwas ist normalerweise gut zu beobachten: die Bewegungen erfolgen grundsätzlich rund und fließend. Ein Grund dafür ist sicherlich die damit verbundene Effizienz unserer Bewegungen und der damit einhergehende ökonomische Umgang mit unserer Energie.

Und als wäre all das noch nicht genug, sind wir sogar dazu in der Lage, rhythmisch gleichmäßig zu gehen und gleichzeitig an etwas völlig anderes zu denken oder uns sogar nebenbei zu unterhalten.
Es ist vermutlich unserer evolutionären Vergangenheit geschuldet, dass wir diese tolle rhythmische Gleichmäßigkeit als ehemalige Vierbeiner nicht nur mit den Beinen bewerkstelligen können, sondern selbstverständlich auch mit unseren Händen und Armen.

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• Warum du nicht schneller spielen kannst

• Das Prinzip der Langsamkeit

• Wenig. Langsam. Oft.

Präzision durch Fluss statt Stop-and-Go

Wenn ich diese Schlagfolge auf einer Pauke spiele, kann ich dies (genau wie beim oben beschriebenen Gehen) mit etwas Übung ohne weiteres tun, ohne über die Gleichmäßigkeit des Rhythmus' oder des Tempos bewusst nachdenken zu müssen. Einmal in Bewegung gesetzt, spüre ich die gleichmäßig auf- und abfließenden Bewegungen meiner Hände, die gewissermaßen als 'Abfallprodukt' gleichmäßige Achtelnoten erzeugen.

Voraussetzung ist allerdings die gleichmäßig, kontinuierlich fließende Qualität meiner Bewegungen!

Im Gegensatz zu einem ständigen Stop-and-Go in den Abläufen, oder Bewegungen, die immer wieder neu beschleunigt und dementsprechend auch wieder abgebremst werden müssen, sind die ruhig fließenden Bewegungen nicht nur organischer und angenehmer, sondern insbesondere auch auf das timing bezogen bei weitem besser berechenbar.

Da wir aber natürlich nicht nur solche endlos gleichmäßigen Tonfolgen wie im Beispiel oben spielen dürfen (oder müssen), besteht die Kunst nun darin, unsere Bewegungsabläufe so zu organisieren, zu strukturieren und zu variieren, dass immer ein Maximum an konstantem Bewegungsfluss erhalten bleibt. Wie dies im einzelnen beispielsweise auf der Pauke gelingen kann, würde an dieser Stelle zu weit führen.

Nur so viel: Je nachdem wie schnell ich beispielsweise die oben abgedruckte Achtelfolge auf der Pauke spielen möchte, werde ich bei großen Tempounterschieden notwendigerweise koordinative Anpassungen in meinen Bewegungsabläufen machen müssen, wenn ich in allen Tempobereichen bei gleichbleibender Dynamik den selben Klang und die selbe Artikulation haben möchte. Ich unterscheide hierbei drei Bewegungsmodi:

Zum Verständnis

Die Bewegungssequenz eines einzelnen Anschlags auf der Pauke besteht aus 4 Phasen:

1. die Ausholbewegung - beginnend am Fell (aufwärts),
2. die eigentliche Schlagbewegung (abwärts),
3. die aktive Bewegung nach dem Anschlag aus dem Fell heraus (aufwärts),
4. die Rückkehr des Schlägels zum Ausgangspunkt am Fell (abwärts). -

Die drei Modi: Wie die Paukenschlägel das Laufen lernten

1. Abgesetzte /voneinander getrennte Einzelschläge.
Bei zeitlich ausreichend großen Abständen zwischen zwei Schlägen ist hierbei die Sequenz einer einzelnen Schlagbewegung vollständig abgeschlossen, bevor zu einem neuen Schlag ausgeholt wird.

2. Das Spiel mit Zwischenschwung.
Hierbei kehrt der Schlägel nach einem Anschlag wieder zur Ausgansposition zum Fell zurück, hat aber nun keine Zeit mehr zum Stillstand zu kommen und startet daher direkt wieder in eine neue Ausholbewegung. Der Bewegungsfluss bleibt dadurch erhalten.

3. Spiel mit durchlaufender Bewegung.
Dieser Modus findet Anwendung, wenn die Schlagfrequenz schon so hoch ist, dass keine Zeit mehr für den Schlägel bleibt kurz zum Fell zurückzukehren (wie zuvor beim Spiel mit Zwischenschwung). Die Phase 3 (siehe oben) ist nun gleichzeitig schon eine neue Ausholbewegung.
Die Achtelfolge im obigen Beispiel wird in dem dort vorgegebenen Tempo (Viertel = 130) im durchlaufenden Bewegungsmodus gespielt.

Schritt, Trab, Galopp: Die Gangarten der Schlagtechnik

Oder: Warum ein Pferd nicht langsam galoppieren kann

Ich vergleiche diese 3 Bewegungsmodi übrigens gerne mit den 3 Gangarten des Pferdes (Schritt - Trab - Galopp). In beiden Zusammenhängen finden abgestufte Anpassungen der Bewegungs- bzw. Koordinationsabläufe an die Erfordernisse unterschiedlicher Schritt- bzw. Schlagfrequenzen statt.

Mit der Ausführlichkeit meiner Beschreibungen der 3 Modi möchte ich verdeutlichen, dass jede Bewegungsform / jeder Modus seine ganz eigenen Qualitäten und Anwendungsbereiche hat und eben auch seine speziellen technischen Besonderheiten und Herausforderungen mit sich bringt. Um noch einmal den Vergleich zu den Gangarten des Pferdes zu bemühen: Ein Pferd kann eben nicht langsam galoppieren! Genauso wenig wie ein Hürdenläufer langsam über eine Hürde springen kann. Und ebensowenig ist es umgekehrt kaum sinnvoll, schnell schleichen zu wollen.

Es ist nicht zwingend notwendig, sich dieser drei Modi bewusst zu sein um gut Pauke spielen zu können. Aber es hilft natürlich schon sehr. Wichtig ist jedoch in jedem Fall die Koordination und das Bewegungsgefühl so zu schulen, dass der sichere Umgang mit diesen Modi zumindest instinktiv gewährleistet ist.

Um genau dies üb-bar zu machen, habe ich 2025 ein Übungsheft für Pauke veröffentlicht, in dem u.a. diese 3 Modi bzw. Bewegungsformen behandelt werden. Um die Übenden ohne wortreiche Erklärungen gewissermaßen dazu zu verführen im von mir jeweils angedachten Modus zu spielen, habe ich jeder Übung ein genaues Tempo gegeben, welches ungewöhnlicherweise explizit NICHT unterschritten werden soll. Damit soll sichergestellt werden, dass die jeweilige Übung nicht versehentlich mit nicht vorgesehenen Bewegungsabläufen geübt wird. Um gegebenenfalls das Erarbeiten einer neuen Übung zu vereinfachen, biete ich alternative Übestrategien an, um sich auf diese Weise jede Übung zueigen machen zu können.

Exemplarisch möchte ich dies an einer Übung aus dem besagten Heft (Pauke üben) erläutern.

Dies wäre die Original-Übung:

Strategien für mehr Sicherheit

Nun kann im ersten Schritt die ganze Übung auf nur einer Pauke geübt werden:

Sollte das noch nicht ausreichen:

Im nächsten Schritt wird die Übung (auf nur einer Pauke gespielt) in einzelne Takte zerlegt:

Alternativ dazu kann die Übung mit jeweils nur einer Hand gespielt werden:

Wenn auch das noch nicht gelingt:
Es werden nur jeweils halbe Takte auf nur einer Pauke geübt (einhändig oder beidhändig).

Wenn das dann funktioniert (immer im vorgegebenen Tempo!), wird in umgekehrter Reihenfolge wieder schrittweise zur notierten Übung im Originalzustand zurückgekehrt.

Zum Beispiel folgendermaßen:

• Die vollständigen einzelnen Takte werden auf nur einer Pauke gespielt (zunächst einhändig und dann beidhändig)

• Die vollständigen einzelnen Takte werden wie notiert gegebenenfalls auf mehr als nur einer Pauke gespielt.

• Es werden nur je zwei aufeinanderfolgende Takte geübt; also z.B. Takt 1 & 2, dann Takt 2 & 3, dann Takt 3 & 4 etc.

• Die ganze Übung wird wie notiert gespielt.

Durch diese Methode wird das vermeintliche Allheilmittel Langsames Üben umschifft, weil es bei diesen Übungen den Sinn und Zweck des Übungskonzepts völlig aushebeln würde. Gleichwohl ist diese Methode natürlich nicht 1:1 auf andere Instrumente übertragbar. Aber jedes Instrument hat seine ganz eigenen Möglichkeiten, um beim Üben methodisch klug vorgehen zu können. Es lohnt sich also in jedem Fall, kreativ nach entsprechenden Wegen zu suchen und diese passend für das eigene Instrument zu entwickeln!

Resümee: Hören und Fühlen

Ich denke, dass das Langsame Üben in bestimmten Situationen ein wirklich sehr gutes Übungs-Hilfsmittel sein kann. Aber es ist eben bei weitem nicht das einzige. Und mir ist wichtig, dass man sich darüber im Klaren ist, dass sich die Bewegungsabläufe durch eine Temporeduzierung deutlich ändern können. Das ist zunächst einmal weder gut noch schlecht. Es ist einfach eine Tatsache. Und es kann ja auch durchaus Teil einer sinnvollen Übe-Variante sein, die Bewegungsabläufe durch eine größere Tempoänderung absichtlich abzuwandeln. Im Übrigen hat die Veränderung einer einzelnen 'Stellschraube' in jedem Fall Auswirkungen auf das gesamte System. Das gilt für das Tempo genauso wie für die Dynamik, die Artikulation, etc..

Das Resümee könnte also folgendermaßen lauten:

Sei experimentierfreudig und aufmerksam!

Hör dir zu und fühle sorgfältig in dich hinein! Zuhören und Hinfühlen sind unsere wichtigsten Korrektive. Verbanne Spiegel aus dem Übezimmer! Sie verleiten nur dazu, das Hören und Fühlen zu vernachlässigen. Was gut klingt und sich gut anfühlt wird auch gut aussehen! Habe Freude an der Musik!

Zum Schluss

Pauke Üben von Arend Weitzel

Diese neue, grundlegend überarbeitete Version des Etüdenbandes Pauke üben bietet einen Übungs-Parcours für die Themen Elementare Rhythmen sowie Spiel auf 2 und 4 Pauken. Die Übungen sind progressiv aufgebaut und gehen in sehr kleinen Schritten systematisch voran. Der Autor gibt Tipps für den besten Umgang mit den Etüden. Sie eignen sich sowohl für den Unterricht mit Anfänger:innen als auch für Fortgeschrittene, die Lust haben auf eine gründliche Revision ihrer Technik.

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Übezeit #5/50

Lesezeit: 3 Minuten

Spiel den selben Song nochmal!

Wer kennt sie nicht, die ikonische Szene aus dem Star Wars Film “Eine neue Hoffnung”? In der staubigen Mos Eisley Cantina auf dem Planeten Tatooine spielt eine Band aus außerirdischen Musikern (die Figrin D’an and the Modal Nodes) einen unverschämt eingängigen, fast hypnotischen Jingle. Das Besondere: Die Band scheint in einer Endlosschleife gefangen. Als die Menge johlt: „Spiel den selben Song nochmal!“, setzen sie ohne Zögern erneut an.

Dieses „Im-Kreis-Spielen“ hat in der Popkultur Kultstatus – in unserem Übealltag ist es jedoch ein mächtiges Werkzeug, um technische Hürden mit Leichtigkeit zu nehmen.

Eine Kreisübung gestalten

Was sind Kreisübungen?

Kreisübungen widmen sich einer ganz konkreten, technischen Herausforderung – sei es ein Lagenwechsel bei Streichinstrumenten, eine schwierige Akkordfolge am Klavier oder bestimmten Tonverbindungen. Wir „kreisen“ dabei buchstäblich um das Problem herum. Damit dies gelingt, nutzen wir kurze Einheiten von vier, sechs oder (maximal) acht Takten, die ständige Wiederholungen erlauben. Man könnte auch sagen: Wir kreieren einen Loop.

Der Clou dabei: Diese Wiederholungen fokussieren uns nicht nur sehr genau auf ein bestimmtes Gebiet, sondern sperrt auch kurzzeitig den “Inneren Kritiker” aus. Zwei wichtige Vorraussetzungen, um beim Üben in den Flow zu kommen.

Üben im Flow - so gehts

Den “Inneren Kritiker” in die Pause schicken

Wir kennen das Problem: Konzentrieren wir uns stark, werden wir oft körperlich fest. Werden wir locker, verlieren wir den Fokus. Kreisübungen bringen beide Haltungen zusammen und trainieren eine “Sorglosigkeit”, wie Andreas Burzik es treffend nennt.

In der aktuellen MusicLab Folge berichtet Marvin Frey ähnliches. Sobald er sich “beobachtet” fühlt beim Üben, setzt sein Flow-Erleben aus. Die ganze Folge hörst du wie immer beim Podcatcher deiner Wahl.

🎧 MusicLab Üben im Flow

So erfindest du deine eigene Kreisübung

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Übezeit #4/50

Lesezeit: 4 Minuten

Alles Flow oder was?

Üben im Flow ist unser großes Ziel. Völlig zeitversunken, beschäftigen wir uns motiviert und konzentriert mit den Übungen am Instrument. Streift der Blick dann doch irgendwann zufällig die Uhr, stellen wir fest: “Wow, das kam mir gerade gar nicht so lange vor.” Wenn es doch nur immer so wäre…

Üben im Flow kann beides sein: Ziel und Hindernis zugleich. Ersteres ist offensichtlich. Zum Hindernis wird es, wenn die Enttäuschung es wieder nicht in den Flow geschafft zu haben, unsere gesamte Übe-Erfahrung überschattet. Darum möchte ich dir heute zeigen, wie du beim Üben in den Flow kommen kannst, und wie du deinen Zustand anschließend bewerten kannst.

Wie kommen wir in den Flow beim Üben?

Den Begriff Flow prägte Mihály Csíkszentmihályi bereits in den 1970er Jahren in seinem Buch “Flow: The Psychology of Optimal Experience“.

Um in besagten paradiesischen Zustand von „optimal experience“, wie ihn Csikszentmihalyi oftmals umschreibt zu gelangen, bedarf es sieben Komponenten. Wobei die ersten drei als notwendige Voraussetzung gelten, um diesen Zustand zu erleben. Die übrigen vier sind lediglich fakultativ und beschreiben die subjektiven Empfindungen während des Flows.

7 Steps to Übe-Flow

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Übezeit #3/50

Lesezeit: 4 Minuten

Vom Ende der Ziellosigkeit

Ein großes Problem beim Üben ist oft die Ziellosigkeit und das Planen größerer Bögen - vor allem dann, wenn mal kein Konzert unmittelbar bevorsteht. Man setzt sich hin, spielt ein bisschen hier, ein bisschen da, und am Ende des Tages fragt man sich: „Was habe ich eigentlich geschafft?“

In der Software-Entwicklung gibt es dafür ein mächtiges Tool: das Daily Scrum.

Was ist das „Daily“?

Ursprünglich ist das Daily ein kurzes, knackiges Meeting in Software-Teams. Es dauert exakt 15 Minuten (Timebox - hier erfährst du mehr über dieses Konzept) und basiert auf drei simplen Fragen:

1. Was habe ich gestern geschafft?

2. Was plane ich für heute?

3. Welche Hindernisse stehen mir im Weg?

Das Daily funktioniert wie ein “Check-In” mit dir selbst oder deinem Übe-Team. Es hilft dir, deinen “Fahrplan” für den restlichen Tag festzulegen.

Da wir als Musiker meistens „Einzelkämpfer“ im Übezimmer sind, hat meine Gästin Regina Brandhuber dieses Konzept für uns adaptiert. Ob als täglicher Check-in mit sich selbst oder als Weekly (die etwas entspanntere Wochen-Variante) – die Struktur bleibt der Schlüssel zum Erfolg.

3 konkrete Ideen zur Umsetzung

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#46 Regina

Lesezeit: 4 Minuten

Eine besondere Podcast-Gast-Entdeckung

Im letzten Jahr habe ich mich für den Newsletter Übezeit erstmals mit einer agilen Methode beschäftigt. In der Ausgabe #37 Kurskorrektur wollte ich der verstehen, warum Veränderungen unbedingt zu unserem Übe-Prozess dazugehören.

Im Text befand sich auch ein kleiner Aufruf: Ich suchte nach Gesprächspartnern, die wirklich etwas von Agilität verstehen und bereits erste Versuche unternahmen, dieses Konzept auf das musikalische Üben zu übertragen. Plötzlich hatte ich eine Mail von meinem heutigen Gast Regina Brandhuber im Postfach (vielen Dank Lisa fürs Weiterleiten! ;-) ).

Mein Lieblingszitat

“Agiles Üben heißt, den ersten kleinsten Schritt zu identifizieren – und ihn dann auch wirklich zu gehen, statt vor dem riesigen Berg des ganzen Werkes zu erstarren.”
Regina Brandhuber

🌡 Agilität in der Musik

Regina Brandhuber ist klassische Sängerin und Musikpädagogin. Zur Zeit promoviert sie zum Agilen Üben und hält Seminare an der Musikhochschule in Nürnberg.

In unserem Gespräch übertragen wir Methoden aus der Software-Entwicklung direkt aufs Instrument. Was ich dabei besonders verstanden habe:

• Agilität ist ein Mindset, kein Stundenplan: Es geht nicht darum, eine starre Routine abzuspulen. Agil sein heißt, sich zu fragen: „Wer bin ich heute? Was braucht mein Körper und mein Geist genau jetzt?“ Deine Tagesform bestimmt die Übe-Session, nicht das schlechte Gewissen.

• Das Ende der Isolation: Warum muss Üben eigentlich immer einsam sein? Regina schlägt vor, Üben als „soziales Event“ zu begreifen – ähnlich wie ein “Hackathon” bei Programmierern. Gemeinsam wachsen statt alleine im Kämmerlein zu verzweifeln.

• Die “Kühlschrank-Metapher”: Stell dir dein methodisches Wissen wie einen vollen Kühlschrank vor. Jeden Tag entscheidest du neu: Worauf habe ich heute Appetit? Welches „Rezept“ (welche Methode) bringt mich heute ans Ziel?

Wann bist du fertig?

Als Musiker*in haben wir oft das Gefühl, nie fertig zu werden. Schließlich könnte man immer noch mehr üben. Regina hat in unserem Gespräch ein wichtiges Artefakt aus der Agilen Arbeit mitgebracht: Die “Definition of Done”!

• Wann bist du eigentlich „fertig“? Ohne eine klare Definition of Done könnten wir unendlich weiterüben. Agiles Üben braucht Zyklen: Fokus-Arbeit, aber eben auch bewusste Pausen.

• Dein persönliches Design: Individualität zeigt sich nicht nur in deinen Interpretationen, sondern schon darin, wie du deine Übe-Session designst. Du bist der Architekt deines Fortschritts.

🧭 In eigener Sache

Wenn dir „Wie übt eigentlich..?“ beim Üben hilft oder dich inspiriert, könntest du überlegen, den Podcast zu unterstützen?

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“Wie übt eigentlich..?” Playlist

Die Musik-Empfehlungen von Regina Brandhuber findest du natürlich auf meiner “Wie übt eigentlich..?” Playlist. Plus: Das was mein Gast gerade hört und ihn musikalisch geprägt hat.

Zur Folge

Das Interview

Hier kannst du dir das Interview sowohl auf Apple Podcast, Spotify oder YouTube anhören! Viel Spaß!

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Zum Nachlesen

Alle Interviews kannst du auch in Ruhe jederzeit nachlesen. Schau dazu einfach auf meinem Blog what-is-practice.de vorbei!

Interview lesen

Bonus

Nach unserem Gespräch hat mir Regina zwei weitere Materialien, ergänzend zu dem, was wir im Podcast besprochen haben, zugeschickt. Ich bin sehr froh, dass ich auch diese mit dir hier teilen darf. Vielen Dank Regina!

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Übezeit #2/50

Lesezeit: 4 Minuten

Alles ist Wasser?!

Neulich saß ich bei einem Getränk mit einem Freund zusammen. Wir unterhielten uns über Ernährung und wie unterschiedlich und teils widersprüchlich manche Studienergebnisse zueinander stehen.

Eine mögliche Erklärung: Ernährungswissenschaften sind ein sehr komplexes Forschungsfeld. Gleichzeitig sind viele Studien auf Grundlage von Beobachtung entstanden: Korrelation und Kausalität sind also schwer zu trennen.

Möchte man also etwas verändern, steht man zunächst einmal vor einem großen Dilemma und sucht nach der persönlich passenden Richtung:

• Fleisch oder kein Fleisch?

• Wenn kein Fleisch: Was supplementiere ich?

• Wie viele Ballaststoffe?

• Sind künstliche Proteine überhaupt gesund?

Die Liste ließe sich sicher endlos fortführen. Aber da wir kein Ernährungspodcast sind, wollen wir es dabei belassen. Der Punkt (oder besser mein Dilemma) ist sicher klar geworden.

Was hat das mit Üben zu tun?

Warum ich diese kleine Anekdote erzähle? Am nächsten Tag bin ich zufällig auf einen Artikel gestoßen, der einen interessanten Vergleich anbrachte:

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Übezeit #1/50

Lesezeit: 8 Minuten

Eine Studie mit verheissungsvollem Titel

“The Central Strategy of Music Practice” - so lautete der Titel einer Studie von Micah F. Killion und Robert A. Duke, die im letzten Jahr erschienen ist. Klingt vielversprechend und groß, dachte ich im ersten Moment - vor allem, wenn man anschließend ließt, dass lediglich sechs Personen teilgenommen haben.

Als ich die Ergebnisse gelesen und mir die Teilnehmerliste angesehen habe, war ich dennoch überzeugt und möchte euch die 5 Schritte der Strategie heute vorstellen.

Die Studie

Studien rund um das Üben sind aufwendig, da - wenn sie qualitativ durchgeführt werden - viel Dokumentation erfolgen muss, um Daten auswerten zu können. So auch in der Studie von Killion und Duke. Sie haben von sechs Profi-Trompeter (darunter zum Beispiel Chris Colletti, ehemals bei Canadian Brass) per Video in ihrem Üben begleitet und daraus eine Übe-Strategie abgeleitet.

5 Schritte einer Strategie

Aus der Video-Analyse konnten sie sechs Schritte verallgemeinern:

1 - Klare klangliche Vorstellung (Intention)

Alle sechs Teilnehmer hatten eine klare Vorstellung, wie die zu spielende Passage klingen und sich anfühlen sollte. Das Ziel der Phrase war damit bereits im Vorfeld klar und leitete die Trompeterinnen und Trompeter.

Verstärkt wurde diese Klangvorstellung durch Singen oder Dirigieren der Stelle. Lediglich 57% der Übezeit verbrachten die Musiker*innen im Durchschnitt wirklich mit Spielen!

Trat ein Fehler auf, oder war die klangliche Abweichung zu groß, stoppten alle Teilnehmer sofort. Was auf den ersten Blick sehr banal klingt, unterstreicht die Studie, indem sie Unmittelbarkeit hervorhebt.

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Übezeit #0

Lesezeit: 2 Minuten

Das Übezeit-Archiv kommt

Bevor es morgen mit der Übezeit für 2026 losgeht, möchte ich ein paar Neuerungen mit euch teilen.

Das wichtigste zuerst: Die Übezeit empfängst du weiterhin jeden Freitag um 11 Uhr kostenlos direkt in dein Email-Postfach, wenn du den Newsletter oder eines der Steady-Pakete gebucht hast.

Zusätzlich sind alle Beiträge der Vergangenheit in das neue Übezeit-Archiv gewandert. Das heißt für dich: Alle 50 Übe-Tipps aus 2025 sowie die Inhalte der Jahre davor ließt du exklusiv als Steady-Backstage Unterstützer*in.

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Warum dieser Schritt?

Inzwischen fließt sehr viel redaktioneller Aufwand in die Erstellung dieser wöchentlichen Übe-Tipps. Ich versuche dafür einerseits Ideen aus meinem eigenen Übe-Alltag zu verallgemeinern und gleichzeitig aktuelle Studien und Bücher rund um das Thema zu scannen und dir daraus Methoden und neue Ansätze aufzubereiten. Das macht natürlich großen Spaß - nimmt inzwischen allerdings auch sehr viel Zeit in Anspruch.

Gleichzeitig möchte ich, dass weiterhin viele diesen Übe-Input zum Wochenende nutzen können. Daher verschwinden die Inhalte nicht sofort hinter einer Paywall, sondern erst nach 7 Tagen.

Wenn du möchtest, kannst du dir also in aller Ruhe die Übezeit abspeichern, ausdrucken und zu Hause sammeln - ohne dafür zahlen zu müssen.

Mein Ziel ist es, hier eine Raum zum Austausch über unser Üben zu schaffen. Nutzt also gerne die Kommentarfunktion in Steady und teilt eure Erfahrungen mit den Tipps.

FAQs

Wer kann im Übezeit-Archiv lesen?

Zugriff auf das Übezeit-Archiv habe alle Unterstützerinnen und Unterstützer aus dem BACKSTAGE-Paket. Das gilt auch für bereits bestehende Pakete hier bei Steady.

Warum nur Jahresmitgliedschaften?

In den letzten beiden Podcast-Umfragen haben viele von euch angegeben, dass sie gerne “Wie übt eigentlich..?” und meine Arbeit unterstützen würden. Allerdings weniger gerne in Form eines monatlichen Abos. Hier bei Steady habe ich die Möglichkeit mithilfe von Jahresmitgliedschaften diese Lücke zu schließen. Eure Unterstützung gilt für 12 Monate und kann danach selbstverständlich jederzeit beendet werden.

Die Jahresmitgliedschaft erhöht außerdem die Planbarkeit für mich. Fixkosten rund um den Podcast (Hosting, Schnitt, Mastering etc.) und Reisekosten können damit zuverlässig abgefangen werden.

Und: Üben ist eben auch ein Marathon, bei dem sich Fortschritte selten innerhalb von wenigen Tagen oder einem Monat einstellen.

Ich hätte gerne Zugriff auf das Übezeit-Archiv, möchte aber nicht eine Mitgliedschaft bei Steady eingehen.

Kein Problem - auch für diesen Fall wird es zeitnah eine Lösung geben. Wenn du die neue MusicLab-Folge gehört hast, hast du vielleicht mitbekommen, dass ich gerade an einem Buch-Projekt arbeite. Das hat zur Zeit noch Vorrang. Danach möchte ich ein kleines E-Book mit den Ausgaben der Übezeit veröffentlichen.

Zum Schluss

Wir lesen uns morgen wieder

Kurz & knapp: Eigentlich bleibt alles wie es ist. Ich freue mich, wenn du die Möglichkeit hast, meine Arbeit zu unterstützen - in welcher Form auch immer!

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